总之，所谓电影动画的诞生，
只是动画的再一次媒介拓展而已。

1906：

动画短片《滑稽脸的幽默相》（Humorous Phases of Funny Faces，1906）

导演：詹姆斯・布莱克顿（J. Stuart Blackton）；制作公司：Vitagraph Company of America；首映时间：1906年4月6日（美国）

• 常被介绍为首部记录在“标准”电影胶片上的动画短片，标志着动画作为可复制电影工艺的真正起点。

  • 该片将逐帧手绘动画和剪切动画等技法系统化地置入 35 mm 电影胶片的商业放映流程中，使“动画”不再仅是舞台魔术或展览奇观，而成为能被拷贝与发行的影像产品——这正是它被历史频繁引用为“电影动画诞生点”的技术/制度基础。
• 把逐帧手绘和剪切动画的实验性技巧推进为叙事与表演工具，对后来的美国动画实践产生了启发性影响。
  • 影片混合真人实拍、逐帧手绘与剪切（cutout）动画（cutout）手法：通过“停—拍—改—拍”的逐格手段，使粉笔画、纸偶等“自发移动”，从而赋予线条、脸谱以动作与性格。
  • 这种把动画用于制造角色动作和笑料的做法，把动画从“技艺示范”推进为“叙事/表演工具”，直接启发了后来如 Winsor McCay 等人的更大规模手绘叙事实践。
• 早期电影动画的多源起点——并非单一路径的“第一项发明”，而是来自舞台魔术、广告与摄影实践的交汇产物。
  • 虽常被冠以“首部动画”的称谓，但正如前文所述，动画技术已有多种并行传统。而布莱克顿的电影动画之旅，也早在19世纪末便开始了。因此，本片更确切地应被看作是“把动画技术在标准电影胶片与商业放映机制中整合并放大的关键范例”。

↑ 《滑稽脸的幽默相》（1906）

 动画短片《艺术家之手》（The Hand of the Artist，1906）

导演：沃尔特·布斯（Walter R. Booth）；制作公司：Charles Urban Trading Co.；首映时间：1906年04月（当年春季放映，常记为 1906 年 4 月）。

• 经常被描述为首部英国动画短片

  • 常被描述为英国动画的起点，尽管该片大部分时间使用的都是利用多重曝光的真人实拍，结合少量定格动画。
  • 当然，在我的角度看，真人实拍也是一类动画的材料。
• 把舞台“速写秀 / 灯光魔术”转译为电影化的逐帧表现，确立了“现场—拍摄—修改—再拍”流程示范。
  • 影片以真人实拍为基础，然后通过多重曝光与局部替换拍摄（wind-back / stop-frame 技法）使绘图“自动化”并产生动作——这套流程把现场表演与摄影逐帧技术连接起来，使“绘画成动画”的方法在电影复制与放映体系内可行。
• 在叙事与表现上把动画元素作为“表演工具”而非单纯技术奇观，对后续英国与国际动画/特效实践产生示范作用。
  • 布斯利用画面内（与画外）的互动、图像的“自发”行为与片尾的打碎/揉毁等戏剧化动作，展示动画并非只为视觉戏法，而可用于制造笑料、讽喻与叙事转折。此类把动画技术服务于表演与叙事的做法被后来的影像工作者（包括早期动画师与特效导演）借用与发展。

↑ 《艺术家之手》（1906）

动画短片《鲍勃的电子剧院》（Le théâtre de Bob，1906）

导演：活跃于法国影业的西班牙动画先驱塞冈多·乔蒙（Segundo de Chomón）；首映时间：1906年。

• 现存最早的定格木偶动画短片之一 —— 木偶动画在电影叙事中的起点

  • 全片由可动小木偶逐格摆拍完成，仅片头一小段使用真人实拍作为引入。这使其成为现存最早的、系统使用木偶逐格动画的电影作品之一。
  • 乔蒙通过逐格控制木偶动作，展示了连续运动与表情变化的可能性，为后来的木偶动画与定格动画奠定了可操作范式。
• 把舞台表演搬入电影影像 —— 动态小木偶成为叙事工具
  • 木偶在短片中承担角色动作与情节表达，使观众能够通过连续影像感受到完整故事。相比此前更多依赖真人或绘画展示的实验性动画，乔蒙将木偶动画作为“叙事载体”系统化运用，为后续定格动画叙事提供了早期示范。
• 由于影片长度短、技术繁复，乔蒙的木偶动画尚未在当时形成广泛的产业化制作模式，但其技术思想和操作经验对 20 世纪早期定格动画发展有长远影响。

↑ 《鲍勃的电子剧院》（1906）

彩色电影技术 Kinemacolor（1906）

• 发明人： 乔治·史密斯（George Albert Smith，英国）；
• 技术基础： 爱德华·雷蒙德·特纳（Edward Raymond Turner）发明的彩色电影方法

• 英国早期商业彩色电影的开端

  • Kinemacolor 将 Turner 的三色彩色实验简化为红、绿2色加法旋转滤镜方法，使彩色影像在标准放映机上可行。
  • 通过这种技术，史密斯得以在商业影院放映彩色短片，使彩色电影首次成为可复制和观赏的商品化内容。
• 示范了双色加法彩色系统的可行性
  • 尽管只使用两色，但这一方法已能在一定程度上表现自然界色彩，为后来的彩色电影发展提供技术验证与经验积累。
• 首批实验片：
  • 《苏格兰氏族的格子花呢》（Tartans of Scottish Clans，1906）
  • 《两个小丑》（Two Clowns，1906）
• 局限与历史评价
  • 双色加法系统对蓝色及部分中间色表现不足，色彩还原受限；设备旋转滤镜要求精准，放映成本高。
  • 尽管在英国商业上取得成功，并在 1908–1914 年间广泛放映，但最终被3色技术如 Technicolor 取代。
  • Kinemacolor 的价值不仅在于它短期商业化成功，更在于它验证了加法彩色电影的可行性，为全球彩色电影产业发展铺路。

亚历山大·希里亚耶夫的预览动画（Alexander Shiryaev’s Pre-Visual Animations，1906–1909）

创作者： 俄罗斯芭蕾舞大师亚历山大·希里亚耶夫（Александр Александрович Ширяев，1868–1941）；
制作时期： 1906–1909 年；
公开时间：通过维克多·鲍恰洛夫（Victor Bocharov）执导的纪录片《亚历山大·希里亚耶夫：迟来的首演》（Alexander Shiryaev: A Belated Premiere，2004）首次公映。

• 早期“预览动画”（Pre-Visual）的先驱

  • 希里亚耶夫为芭蕾舞表演设计制作的动画短片，采用逐帧手绘动画和木偶动画，用于舞蹈动作的预演和设计。
  • 这些动画是最早的“Pre-Visual”动画尝试，帮助表演者和导演在正式上演前预见动作效果，实现舞蹈编排的可视化。
• 技术水准与艺术水平堪比同期公开动画作品
  • 虽为舞蹈预演服务，希里亚耶夫制作的动画在动作连贯性、节奏把握和人物表演上达到极高水准，显示出他对逐格动作、木偶动作与舞蹈动态规律的深刻理解。
  • 与当时公开上映的动画相比，其技术完成度和艺术表现力毫不逊色，为后来的舞蹈动画与定格动画提供了早期参考。
• 历史遗憾与后世影响
  • 动画制作完全用于内部设计，从未在当时公开放映，因此对同期动画产业的直接影响有限。
  • 2004 年通过鲍恰洛夫的纪录片首次公映后，这些作品才被学界和公众认识，成为研究早期动画与表演可视化的重要史料。
  • 它们证明了动画技术在艺术设计与舞台表演中的潜力，为后世舞蹈动画和定格动画的创作提供了实践先例。

↑ 《亚历山大·谢里亚耶夫：迟来的首演》中希里亚耶夫的木偶动画
© 2004 Gosfilmfond

1907：

《闹鬼旅馆》（The Haunted Hotel，1907）

导演：詹姆斯·布莱克顿（J. Stuart Blackton）；制作公司：Vitagraph Company of America；首映时间：1907 年 2 月 23 日（美国）。

• 定格动画技术的奠基之作

  • 影片使用先进的定格动画技术，让物体似乎自行移动或消失，开创了真人实拍+特效动画结合的先河。
  • 这些技巧在当时令人震惊，为早期电影特效的发展提供了直接技术示范，并成为后世恐怖喜剧和奇幻片的启发源。

• 对法国动画与早期商业动画的影响

  • 美国动画学者唐纳德·克拉夫顿（Crafton, D.）指出，《闹鬼旅馆》在商业上的成功，引起法国高蒙电影公司极大关注。法国制片人绞尽脑汁想复制片中物体自行移动的效果，最终由漫画家埃米尔·科尔（Émile Cohl）发现了定格动画的秘密。

    • Crafton, D. Before Mickey: The Animated Film, 1898–1928. Chicago: University of Chicago Press, 1993, pp.13–18.

  • 此事件标志着美国与法国早期动画实践之间的技术交流，并推动了欧洲定格动画的技术发展。
• 类型与叙事创新
  • 影片在叙事上采用“伪纪录片式恐怖喜剧”，将惊悚元素与喜剧结合，为后续类似类型片提供了原型。
  • 通过定格动画与真人表演的互动，使视觉幽默和超自然效果自然融合，强化了观众沉浸感。

↑ The Haunted Hotel（1907）

《“泰迪”熊》（The “Teddy” Bears，1907）

导演：华莱士·麦卡琴（Wallace McCutcheon），埃德温·鲍特​（Edwin S. Porter）；首映时间：1907-03-02；片长：13分钟。

• 早期玩偶定格动画的典范

  • 片尾展示了现存最早的使用毛绒玩具作为动画偶进行定格拍摄的案例。
  • 影片中使用六只泰迪熊在同一镜头内逐个摆拍，通过逐格动作呈现连续动画，展示了定格动画可以在小型道具上实现生动表演。
  • 据说拍摄耗时约一周。

↑ The “Teddy” Bears 剧照

定格动画短片《日本幻想曲》（Japon de fantaisie，1907）

导演：埃米尔·科尔（Émile Cohl）；制作公司：法国高蒙（Société des Etablissements L. Gaumont）；首映时间：1907年6月18日（丹麦）。

• 技术探索与早期动画实验
  • 一部技术探索性质的实验短片，科尔在片中运用定格动画和手绘叠加，尝试不同的动作表现和场景组合。

↑ Japon de fantaisie（1907）

动画短片《活动写真》（活動写真，约1907）

作者：不详；现存版本发现： 2005 年，京都；长度：50 帧、双色（红／黑）

• 日本“最早动画”候选之一，但来源成谜

  • 该短片描绘一名身穿水手服的少年在背景上写下“活動写真”四字，画面直接以红、黑双色印刷到 35mm 透明胶片，属于非摄影式的“印刷动画”，技术上与德国早期的“印刷胶卷”相似。
  • 由于成片方式不是逐帧拍摄，而是直接制版印刷，因此不属于传统意义的“摄影动画”，但在影像史上依然被视为极早的日本动画之一。
• 设备与制作年代的不确定性
  • 学界推测日本至少在 1904 年已引入相关印刷式投影胶片制作设备，因此该片可能在 1907–1911 年间制作。
  • 因当时只有富裕家庭可能私人拥有小型放映或幻灯设备，而片段未出现在专业电影制作公司的存档中，因此很可能是一段 私人使用、非商业发行 的实验性影像。
  • 目前没有发现任何确切的制作人、公司或发明者的记录，来源极可能永远无法确定。
• 作为“日本动画起源”讨论的重要案例
  • 虽然其成因不明，但它是日本现存最早的可能具有“动画意图”的胶片之一，对研究日本动画的起源、媒介技术传播、以及私房影像文化具有关键参考价值。
  • 也因此成为讨论“动画诞生究竟应以何种机制判定”的重要案例：
    • 是以逐帧成像技术为准？还是以连续图像制造运动幻象的意图为准？此片的发现让学界重新审视了动画技术演化的多路径性质，而非仅由商业电影公司推动。
• 该片于2005年在京都被发现，是一段有50帧，红、黑两色，描绘一名水手服男孩在背景上写下“活動写真”四字。

↑ 《活动写真》图源：网络

立体电影观看设备“立体影院”（Stéréo-Cinéma，1907）

发明者：埃米尔·雷诺（Émile Reynaud）
类型：立体电影观看设备（光学玩具 / 前电影技术）
专利： 法国专利：379.483（申请：1907-07-02；授权：1907-09-10；刊登：1907-11-08）

• 立体影院（Stéréo-Cinéma）是动画先驱埃米尔·雷诺在 1907 年获得专利的一种立体影像观看装置，是他对“帕西诺镜”（Praxinoscope）系统进行立体化升级的成果。它延续了雷诺一贯的机械光学路径，但在成像原理上已经开始接近后来 20 世纪的立体电影概念。
• 技术概要与创新点：
  • 装置由两组帕西诺镜结构垂直合并构成，以获得左右眼分别对应的两路影像。
  • 中央的反射鼓镜面被调整为倾斜角度，将影像分别引导入左、右眼。
  • 使用时需通过双目取景器观看，使短序列图像产生简单的立体深度效果。
  • 播放内容来自雷诺在 1902 年发明的立体摄影机 “立体辛尼马托作图”（Stéréocinématographe） 所拍摄的 stereoscopic 图像序列。
  • 整体仍属于光学玩具传统：短循环序列、机械驱动、镜面反射成像。
• 历史地位
  • 虽然“立体影院”技术上颇具探索性，但在电影工业快速向胶片、放映机与叙事化发展的大背景下，该装置的短循环内容模式已经失去竞争力。它当时未产生商业影响，但展示了雷诺在 20 世纪初对立体视觉、沉浸式观影体验的前瞻实验。
  • 作为“光学玩具时代”临近终点时的一次立体影像尝试，它补完了雷诺从动画光学机械到立体摄影的探索链条，也为后世理解立体电影史提供了重要的早期样本。

↑ 雷诺的“立体影院”
（LaNature，1908）

《加利福尼亚使命教堂》（Missions of California，1907）

导演：诺曼·道恩（Norman Dawn）；制作公司：不详（地区性纪录片制作）；首映时间：1907 年（美国）

美国导演兼视觉特效先驱诺曼·道恩（Norman Dawn）在本片中首次系统化地使用了他自创的接景画（Matte Painting）与玻璃遮罩（Glass Shot）技术，被视为电影特效史从“摄影技巧”正式迈入“合成艺术”的关键时刻。

• 技术与历史背景
  • 为了重现逐渐破败的西班牙传教站景观，道恩在实景拍摄点与摄像机之间架起一块绘有建筑与环境细节的玻璃板，通过遮罩遮住真实画面中不想出现的部分，实现“现实 + 绘画”的早期复合影像。这些画不只是“补景”，甚至包括：把 断墙修补成完好建筑；把 电线杆伪装成树干；添加无法在现场搭建的历史场景元素。
  • 1907 年的这次实验成效显著，道恩随后在 1910 年代持续改进技术，使接景从摄影技巧演化成系统化的多层次合成流程：
    • 在玻璃前放置 遮光纸板，让画面某些区域留作二次曝光；
    • 用 部分涂黑的玻璃板直接作为遮罩（早期“动态遮罩”概念的前身）；
    • 将 未完成的镜头投影到画架上，并在旁边实时绘画，从而获得早期的“合成预览”流程——某种意义上是数字时代“On-set Previs”的太祖级形态。
• 专利与行业影响
  • 道恩最终在 1918 年为自己的接景画流程申请了美国专利。

    • Dawn N. Cinematographic-picture composition: US1269061 . 1918-06-11.

  • 他曾尝试以专利权状告其他导演侵权，但法院最终裁定驳回，因为接景画与多重曝光技术自电影发明初期起即已广泛被试验使用。
  • 尽管如此，道恩的创新把这些“零散技巧”组合成可复制的工业化流程，使接景画在 20 世纪前半叶成为电影特效的主力工艺。从古装史诗、冒险电影甚至到《绿野仙踪》的彩色奇幻世界，都能看到其工艺体系的遗产。
  • 这套原理后来与：动态遮罩（Travelling Matte）、光学合成（Optical Composite）、数字接景（Digital Matte Painting）顺利连结，成为现代视觉特效工作流程的基石。至今，数字 VFX 中的环境扩建（Environment Extension）依然可以追溯到道恩 1907 年的这块玻璃板。

↑ 道恩的接景画专利部分配图（1918）

彩色玻璃反转片工艺 Autochrome （1907）

发明者：卢米埃兄弟（Lumière Brothers）；商业化推出：1907 年；
专利： Plate sensitive to colors and process of manufacturing the same，法国及多国专利（1903–1907，卢米埃公司名义）

• 技术创新

  • 首个实用且广泛商业成功的彩色反转片工艺

    • Autochrome 采用“加色法马赛克屏”结构：在玻璃板上铺一层极细的染色马铃薯淀粉颗粒（通常为橙红、绿色、蓝紫三色），作为光学滤色屏。上方再覆盖感光乳剂，整体构成单片式彩色感光板。
    • 曝光后经过反转显影，直接得到可投影的彩色正片（无需制作彩色印片），是早期最方便、最可靠的彩色摄影体系。
  • 多层工艺的精密化量产
    • 颗粒尺寸需保持约15微米并均匀分布，同时需要炭黑粉填充空隙以降低杂散光；玻璃载体也需在涂布、压实、密封等环节保持同一批次的标准。Autochrome 以工业规模成功生产，解决了早期彩色材料的一致性难题。
  • 软色调、颗粒状“点彩”式画面成为独特风格
    • 色彩柔和、微弱颗粒感显著，呈现介于绘画与摄影之间的视觉效果，为彩色影像带来富有人文气质的“Autochrome 美学”。
• 历史价值 / 影响
  • 现代彩色反转片（幻灯片）的起源
    • Autochrome 是首个真正实用、可大量生产、可直接投影的彩色正片体系，是此后所有“彩色反转幻灯片工艺”的直接祖先。
  • 促进彩色摄影在新闻与艺术领域普及
    • 1907 年上市后迅速风靡欧洲与美国，推动彩色图像进入家庭、科学记录、地理杂志与艺术创作领域，为摄影史从“单色记录”迈向“彩色文化”奠定基础。
  • 后继工艺 Kodachrome（1935） 的关键技术前导
    • 虽然 Autochrome 使用加色法颗粒滤色屏，而 Kodachrome 属于减色法染料成像，但后者的研发者曼尼斯（Leopold Mannes）与戈多夫斯基二世（Leopold Godowsky Jr.）皆在 Autochrome 的启发下研究更稳定、更细腻的彩色材料。Kodachrome 因此成为首款广泛成功、进入电影工业与大众摄影市场的减色法彩色反转片。
  • 局限与衰落
    • Autochrome 感光度极低（约 ISO 5 以下），必须使用阳光与长曝光；并且色彩由滤色颗粒决定，分辨率受限。
    • 20世纪30年代之后逐渐被更敏感、更灵活的减色法胶片取代，但其美学地位反而因时代感而被保留下来。

1908：

| 科尔（Émile Cohl）创作的电影动画短片《幻想曲》（ Fantasmagorie，1908）

• 经常被介绍为首部“全动画”短片，

• 主要使用逐帧手绘动画技术，部分镜头可能使用了剪切动画，或转描之类的其他方法，真人实拍被用于片头。
• 科尔通过夸张的造型、动作、变形、转场和空间扭曲等效果展示了手绘动画的魅力，也是变形动画的创始人之一。
• 科尔为每一帧序列图在胶片上连续拍摄了2帧，后在动画术语中称为“一拍二”。
  • 但该术语是基于24帧/秒而言的，而早期的无声电影拍摄的帧速率在16-26之间，放映通常使用比拍摄时高2至3倍的速率。
  • 到1920年代末，电影公司更新有声电影设备，24帧/秒才逐渐成为35毫米胶片的标准。
  • 基于每秒24帧的“一拍二”和“一拍三”在此后的100多年中一直被大多数商业动画采用，而“一拍一”一般用于院线级电影动画或动画短片。
  • 随着电视和数字视频的发展，现代数字动画的常用速率已不限于24帧/秒，因此一拍几这种说法已很少被使用。

| 科尔同年制作的电影短片《魔法圈》（The Magic Hoop，1908）

• 还带来了已知最早的折纸动画片段。

• 他后来还制作了200多部动画短片，放弃了完全使用“手绘”这种耗时费力的制作方法，而更倾向把各种不同的动画和电影技术混合在一起，使他的作品成为“用动画技术做电影”和“用电影技术做动画”的典型代表。
• 科尔被誉为“卡通动画之父”，并以诸多创新闻名，其电影动画在法国、英国、美国、日本等地都有上映，但幸存至今的却寥寥无几。
• 科尔最后的故事，和此前两位法国电影动画先驱，雷诺和梅里爱惊人相似。
  • 1920年代，法国动画行业衰落，科尔的职业生涯也随之结束。
  • 他离世之时身无分文，被人遗忘，更巧合的是，科尔离世后的几个小时，梅里爱也永远离开了我们。

↑ 《幻想曲》剧照

↑ 《魔术圈》（1908）剪纸动画片段剧照

| 爱迪生制作公司出品的《雕塑家的威尔士兔子梦》（A Sculptor’s Welsh Rabbit Dream，1908），华莱士·麦卡琴（Wallace McCutcheon）执导的《雕塑家的噩梦》（The Sculptor’s Nightmare，1908）和塞冈多·乔蒙（Segundo de Chomón）执导的《现代雕塑家》（Sculpteur moderne，1908）

• 一起成为最早的粘土动画案例。

• 此前《面包店里的乐趣》虽涉及粘土变形场景，但并未体现拟生的意识。

↑ 《雕塑家的噩梦》剧照

↑ 《现代雕塑家》 剧照

| 《电动旅馆》（El hotel eléctrico，1908）

导演：塞冈多·乔蒙（Segundo de Chomón）；首映时间：1908年10月（巴黎）

• 经常被介绍为首部使用“真人定格动画”（pixilation）技术的电影短片，把真人演员作为一种定格动画的“材料”使用。
• 事实上，真人定格动画在“前电影”时代早已出现，当时主要是为了模拟真实运动，而后来的真人定格动画主要致力于表现不正常的、跳帧的、快速或慢速的卡顿动作，“以真实表现虚幻，以真人扮演木偶”。
• 术语 pixilation 是后来加拿大动画师格兰特·蒙罗（Grant Munro）在1950年代创造的。
• 该片也大量使用到 实物定格动画（Object Animation）技术。

↑ 《电动旅馆》剧照

| 库伯（Arthur Melbourne Cooper）执导的《玩具国之梦》（Dreams of Toyland，1908）

• 是现存首部由众多木偶（包括真实的玩具）和道具在同一镜头中同时表演的定格木偶动画，
• 这对于当时的技术来说是相当困难的挑战。

↑ 《玩具国之梦》剧照

| 道利（J. Searle Dawley）执导的电影短片《从鹰巢中救出》（Rescued From an Eagle’s Nest，1908）

• 理查德·墨菲（Richard Murphy）为该片制作了第一只用于拍摄电影的机械动画偶。

• 尽管其可动性十分简陋，但机械动画偶技术持续发展，在数字角色动画技术真正成熟之前，一直扮演着重要的角色。

↑ 《从鹰巢获救》剧照

5月：厄本正式推出乔治·史密斯（George A. Smith）发明的2色加法旋转滤镜的色彩电影技术“肯尼马色彩”（Kinemacolor）。

• 由于不能呈现蓝到紫的色调，而白色也会泛黄，因此需要在投影光源上加装紫蓝色滤光片，并根据投影灯的色温调整绿色滤光片才能产生较好的效果，实际操作者的个人颜色平衡判断能力会影响效果，而当拍摄对象快速移动时，重影问题依然明显。
• 1908年5月1日首次展示，1909年2月26日开始公开放映，约1915年被逐渐被市场放弃。

12月：乔治·史密斯（George Albert Smith）执导的《参观海滨》（A Visit to the Seaside，1908）

• 通常被认为是首部使用“肯尼马色彩”色彩技术并公开发布的电影短片。

↑《参观海滨》剧照

| 迪克森和其公司买下了莱瑟姆环的专利，并用它打败了爱迪生的垄断。

• 讽刺的是，在证明了自己的实力之后，迪克森和其生物图像公司加入了爱迪生新成立的“运动图像专利公司”（Motion Picture Patents Company），也称“爱迪生信托”。成员包括：
  • 爱迪生制造公司（Edison Manufacturing Company）​，爱迪生于1894年创建；
  • 生物图像公司（Biograph Company），迪克森与哈里·马文（Harry Marvin）于1895年创立；
  • 维塔图像工作室（Vitagraph Company of America​）；阿尔伯特·史密斯（Albert E. Smith）与詹姆斯·斯图尔特·布莱克顿（J. Stuart Blackton）于1897年创立；
  • 卢宾制造公司（Lubin Manufacturing Company），西格蒙德·卢宾（Siegmund Lubin）于1902年成立，1916年结业；
  • 埃萨奈工作室（Essanay Studios），乔治·K·斯波尔（George K. Spoor）与吉尔伯特·M·安德森（Gilbert M. Anderson）1907年于美国芝加哥创立，1918年停止发行电影；
  • 塞利格多视镜公司（Selig Polyscope Company），威廉·N·塞尔立（William N. Selig）1896年于美国芝加哥创立，1918年结束电影制作；
  • 卡莱姆公司（Kalem Company），乔治·K·斯波尔（George K. Spoor）与埃德温·S·波特（Edwin S. Porter）于1907年创立​；
  • 百代（Pathé Frères）美国分支机构，查尔斯·百代（Charles Pathé）与兄弟1896年在法国创立；
  • 星空电影（Star Film）美国分支机构，乔治·梅里爱（Georges Méliès）1896年在法国创立；
• MPPC尝试通过专利规范以实行更有效的垄断（当时宣称为保护），但最终事与愿违，并引起了其他同行，甚至自身成员的强烈反感，黯然退场。

1909：

| 查尔斯·阿姆斯特朗（Charles Armstrong）制作的《运动的老鼠》（ The Sporting Mice，1909）

• 可能是世界上最早的“剪影动画”，但原片已遗失。
• 他次年推出的《小丑和他的驴子》（The Clown and His Donkey，1910）成为现存最古老的剪影动画。

↑ 《小丑和他的驴子》（1910）

| 科尔（Émile Cohl）的短片《变形》（Transfigurations，1909）

• 实现了逐帧手绘、剪切纸偶和木偶模型之间来回转换的变形动画。

↑《变形》（1909）

| 动画短片《新年快乐1910》（Prost Neujahr 1910，1909）

导演：基多·泽贝尔（Guido Seeber）

• 德国首部动画短片，但原片已遗失。

手绘抽象电影动画的早期实验：格林沃特与 Sarabet（1909–1912）

20 世纪初，美国音乐家与发明者 玛丽·格林沃特（Mary H.-Greenewalt） 在为其视觉乐器 “萨拉比”（Sarabet）进行研究与演出准备的过程中，展开了一系列以手绘色彩为核心的抽象运动影像实验。她在 1909–1912 年间制作的这些影像，被其本人视为一种“以时间组织的光与色的艺术”，并在视觉音乐与抽象动画史中占据极为早期的位置。

这些影像并不描绘现实对象，也不服务于叙事，而是通过手工绘制、着色的透明介质，在投影中呈现色彩的渐变、流动与节奏性变化。影像的运动来自色彩本身的变化关系，而非摄影记录的物理运动，形成一种纯抽象的视觉时间结构。

与后来基于胶片逐帧摄影的抽象电影不同，格林沃特的影像多以现场生成与演奏式控制为特征。她并未建立严格的音乐—色彩对应体系，而是引入可变与非同步的控制方式，使视觉变化更接近即兴演奏，而非理性映射。

1946 年，格林沃特在其著作 《Nourathar: The Fine Art of Light-Color Playing》 中系统回顾了这些实验。尽管相关作品未完整保存为可重复放映的电影拷贝，但现存的照片与文字记录显示，这些实验构成了已知最早的一批手绘抽象运动影像实践之一。

从动画技术史角度看，格林沃特的工作表明：动画并不必然依赖胶片、角色或叙事，而可以作为一种以光、色与时间为材料的独立艺术形式存在，为后来的抽象动画与视觉音乐奠定了重要思想基础。

| 定格动画先驱拉迪斯洛夫·斯塔雷维奇（Владисла́в Алекса́ндрович Старе́вич）开始使用昆虫拍摄定格木偶动画。

• 但早期的动画已遗失。

| 发明家和电影大亨奥斯卡·梅斯特（Oskar Messter）推出一种类似19世纪中“佩珀幻象”的立体电影投影表演“阿拉巴斯特拉”（Alabastra）。

• 电影图像通过舞台前的玻璃“合成”到舞台上，与演员互动以表现一些奇幻特效。
• 类似的剧院在欧美地区短暂流行，在第一次世界大战期间陆续退场。

• Loew, K. (2013). Tangible Specters: 3-D Cinema in the 1910s. Film Criticism, 37/38(3/1), 87–116.

↑ Alabastra插图（Loew, K. 2013）