手塚治虫执导的电视动画《铁臂阿童木》（1963-1966）开播，标志着日本电视动画时代的开启。

手冢治虫是“廉价动画”和“日式有限动画”重要奠基者。

他主动降低了动画制作价格，致使廉价动画成为业界标准，并在接下来的几十年里影响了整个亚洲动画行业。讽刺的是，廉价动画在压迫大批动画从业者的同时，也帮助了日本动画行业崛起，进而与美国动画行业平分秋色。至于手冢治虫为什么这样做？可能是因为他并不需要通过制作动画片赚钱，而是版权授权费。

《铁臂阿童木》的帧速率降至8帧/秒，而当时电影动画的全动画的标准是24帧/秒，还结合了立绘纸芝居、剪切动画等技巧，角色对话时只动嘴巴，大量利用静止图像、镜头运动和库存动画，引入情绪符号，这些“省钱妙计”都在《铁臂阿童木》之后被广泛沿用。

手塚治虫标志性的有限动画技巧是通过眼睛来表达人类所有的情感，角色眼睛比例被夸大，并添加了一种可变颜色的阴影层，由各种颜色、造型和高光组合的、闪亮亮的“大眼睛”至今仍被视为日式动画的典型符号。

值得一提的是，另一位“正常眼睛”流派的日本动画代表人物——宫崎骏，也曾在手冢治虫的动画工作室工作，但他后来离开了，理由是他想做另外一种动画，用整个角色描绘人类的情感。虽然也有日式有限动画对于角色运动的影子，但更精致的绘画，以及对镜头运动的合理利用也使其形成了自己的特色。

8月，罗伯特·斯蒂文森（Robert Stevenson，1905–1986）执导的迪士尼电影长片《玛丽·波平斯》（Mary Poppins）上映，是首部大量使用“钠屏”（也称黄幕）抠像技术，和首部使用电子动画偶的电影长片。

钠屏（也称黄屏）抠像

• 类似于现代的绿幕抠像，但使用不同的工具，演员在一个用钠蒸汽灯照亮的屏幕前表演，一台专门设计的特艺色彩（Technicolor）摄影机执行拍摄，该设备带有两组胶片，一个特制棱镜使一组黑白胶片自动获得遮罩，另一组常规的三色胶片捕捉剩余的内容，从而获得几乎完美的抠像。
• 其主要发明者，佩特罗·弗拉霍斯（Petro Vlahos）、乌布·伊沃克斯（Ub Iwerks）和沃兹沃斯·波尔因此获奥斯卡科学技术奖。
• 有趣的是，特艺色彩公司无法再次复制该棱镜，而米高梅非常想和迪士尼竞争该项技术，他们雇佣了弗拉霍斯，创造了另外一种更为复杂，但质量更高的解决方案诞生。
• 有报道说此前《父母陷阱》也测试过该技术，但由于直接使用移动遮罩的效果也很好而没有被大量使用。
• Vlahos Petro, Composite photography utilizing sodium vapor illumination: US3095304A[P]. 1963-06-25

技术对比：钠屏 vs 现代抠像

项目	钠屏（1964）	现代绿幕/蓝幕（2020s）
原理	钠蒸气光过滤	色度键控（Chroma Key）
设备	特制棱镜摄像机 + 钠灯	数码摄像机 + 色度分离软件
精度	边缘较粗糙，依赖物理布光	高精度，支持复杂透明度与运动模糊
应用范围	仅限固定场景	全动态追踪，实时合成

电子动画偶：

• 该片的电子动画偶角色是一只小鸟，此外一些道具如开场“空中洒糖”、片尾“星空舞”等也使用了机械装置控制运动。
• 迪士尼同年在纽约世博会还推出了第一个人类电子动画偶“林肯先生”，用于舞台剧表演，后变为迪士尼乐园的一个景点。
• 电子动画偶开始成为一种重要的特效动画技术，尽管后来计算机动画接管了大部分工作，但它依然有自己的价值。

随着1960年代欧美迷幻文化运动兴起，一种被称为“液体灯光秀”（Liquid Light Shows）的活动在大西洋两岸流行起来，成为迷幻摇滚音乐会（如吉米·亨德里克斯、感恩至死乐队）的标志性视觉元素。

• 通过投影机，把彩色水油混合液的随机流淌、震动、蒸发、混合等效果投射到舞台环境中，创造一种迷幻的光影视觉效果。
• 也会投影一些手绘或预录的迷幻图案动画，旋转镜子与光线折射生成抽象光斑，引入机械幻灯片时代的旋转色盘等古董技术，使用频闪灯实现“瞬移”特效。
• 早期通过艺术家现场手动控制，实现与音乐的实时交互效果。
• 当时这种灯光秀中普遍使用一种为永久性记号笔开发的墨水，颜色非常鲜艳，但操作员的手也几乎会被永久地染色。
• 美国的液体灯光秀一般比较大型，经常会使用到数十台投影仪，使用大型玻璃钟罩放置彩色液体。
• 英国的演出一般比较小型，使用夹层玻璃放置彩色液体。

实体液体流动的不可预测性使每场表演独一无二，无法通过数字技术完全复刻。

马克·鲁宾斯坦、比尔·哈姆等是60年代液体灯光秀的代表人物，这些灯光秀很快便开始和计算机动画技术结合。

NYIT实验室将液体灯光的随机算法转化为生成艺术（Generative Art），用于AR/VR场景。

“液体灯光秀”以液体介质的物理特性与光学操控技术为核心，其历史价值在于将迷幻文化视觉化，而当代技术则通过数字化手段拓展了其应用场景。这一艺术形式揭示了模拟技术与数字算法的共生关系，为沉浸式体验设计提供了独特灵感。

伊布·梅尔基奥（Ib Melchior，1917-2015）执导的电影长片《愤怒的红色星球》（The Angry Red Planet）展示了毛雷尔兄弟（Louis & Joseph Maurer）约1957-1966年间开发的，旨在降低制作成本、减少手工绘画的机械动画自动化系统“艺术家镜”（Artiscope）。

• 该技术还有多个名字，包括“电影魔法”（Cinemagic），“色彩动画”（Colormation）和“动画镜”（Animascope）。
• 对比度被夸大，使摄影图像接近卡通效果。其后续版本可制作黑白线稿动画和色彩动画，是一种介乎于转描镜和后来计算机运动捕捉技术之间的一种过渡技术，演员穿着对比鲜明的服装和乳胶假肢，通过化妆加深轮廓，在黑色背景前拍摄，利用高对比度胶片捕获和光学打印机合成。

他们的系统在60年代被一些动画使用，后来卖（或授权？）给了纽约理工学院计算机图形实验室（NYIT），后者是重要的计算机动画先驱实验室之一。

1970年代，莱昂·毛雷尔（Leon Maurer）受聘于NYIT，担任计算机图形运动控制和三维计算机动画系统的顾问，直到新一代运动捕捉技术最终接手了他们的工作。

• 将Artiscope的同步控制逻辑转化为数字信号处理方案，优化了实验室早期动画渲染流程；
• 设计低延迟反馈系统，解决机械式动画设备与电子计算机间的兼容性问题。

1980年代，随着光学运动捕捉系统与计算机图形学算法的成熟，机械式动画控制技术逐渐退出主流。

毛雷尔兄弟的技术虽被淘汰，但其模块化控制思想影响了后续动画管线设计。

20世纪70年代，电影正式迈进彩色时代，大屏幕和宽屏幕越来越受欢迎，廉价电视动画成为主流，影院动画短片正走进历史。传统手绘动画技术的边界和局限性越发明显，基础技术开发已经完成，动画好坏更多是艺术的问题。而定格动画虽仍有较多发展，但无非是尝试更多不同材料，引入更多传统艺术风格、开发更复杂的可动偶结构。这个年代也见证了很多特效大片的诞生，但在技术上并没有太大的创新，反而是一些早期的计算机动画已经尝试走进电影特效领域。

1970:

• 瓦尔·杰斯特执导的《当恐龙统治地球》使用了一种简单、有效，但耗时的“运动模糊”技术，摄影师对镜头玻璃板涂抹石油果冻（凡士林之类），每次拍摄后都需要清理再重新涂抹，可在恐龙模型的周围造成模糊效果，它一直被使用直到被运动控制和数字动画技术取代。

• 唐纳德·布里泰因执导的首部IMAX电影《虎之子》在日本世博会上首映，观众在一个被称为空气穹顶的临时展馆中，坐在巨大的移动旋转平台上观看这部被称为“奇观”的电影。
• 第一套正式的IMAX设备于次年安装在多伦多的安大略圆形剧场。

• 以喜欢尝试不同材料和技术制作定格动画而闻名的冈本忠诚制作了一部折纸+剪纸定格动画短片《冈本的家，我的家》，他在20世纪后期制作了数十部风格各异的动画短片，多次获大藤信郎奖。

• 查克·琼斯等执导了米高梅动画发行的最后一部真人+动画长片《幻象天堂》。

• 1970年代初，美国电影行业在经济上进入了一个衰退期，许多制片厂关闭了内部的特效、动画部门，相关技术人员成为自由职业者，或者建立自己的制作公司，在一定程度上影响了此后的行业结构。

• 1970年代，莱昂·毛雷尔（Leon Maurer）以顾问身份参与纽约理工学院计算机图形实验室（NYIT）项目，主要贡献包括：
  • 将Artiscope的同步控制逻辑转化为数字信号处理方案，优化了实验室早期动画渲染流程；
  • 设计低延迟反馈系统，解决机械式动画设备与电子计算机间的兼容性问题。

1971：

• 罗伯特·怀斯执导的电影长片《天外来菌》中涉及一些模拟计算机生成动画的片段，当时的计算机技术还不能完成这样的画面，特效导演道格拉斯·特鲁姆布和其团队使用传统动画技术完成了这一挑战。
• 它展示了当时人们对计算机生成图像的期待，也预告着一个新时代的来临。

• 冈本忠诚制作了一部松散油彩厚涂+蜡笔画的手绘动画短片《我的妻子奇科坦》，结合多平面景深、镜头运动、光效、万花筒背景等技术，再次为动画片的视觉创新带来惊喜。

• 日本东映动画开始把补帧和着色等比较简单的工作实行外包并计件支付，尽管动画工会反对但无补于事。
• 随着越来越多的动画生产被计件外包，传统动画制作彻底成为一种廉价流水线，普通动画师的工资被压制到极低，这事实上掏空了动画人才的培养基础，但出于经济原因，它逐渐成为了传统动画行业的国际惯例。

1972：

• 两家著名的美国传统动画工作室，沃尔特·兰茨制作和特里卡通相继关闭。

• 加拿大国家电影委员会购买了一台有24万个针眼的针屏，邀请阿雷克塞耶夫和帕克举行研讨会并演示针屏的使用，以支持新一代动画师继续探索针屏动画，但依然只是偶尔被使用。

• 川本喜八郎制作了他的首部木偶动画《鬼》，把日本传统木偶戏搬进了电影动画，立体木偶结合平面手绘风格的接景画布景，创造了一种奇特的空间感。
• 冈本忠诚使用日本特有的和纸制作了一部纸偶动画短片《魔奇魔奇树》，类似技术几十年前也使用过，但更先进的色彩电影技术让这类拥有精细质感的传统手工艺术更好地展示。

• 墨西哥首部电视动画片《泰利莫家族》开播，但由于无法与来自美国的电视动画抗衡，墨西哥动画行业在70-80年代主要为美国动画代工。

• 埃里克·波特执导的澳大利亚首部动画长片《小马可·波罗对红龙》上映，是一部典型的赛璐璐传统手绘动画。

图4-57：《魔奇魔奇树》（岡本忠成，1972）；

1973：

• 丹麦的亨里克·哈辛和拉尔斯·哈辛制作了世界上第一部“砖块动画”短片《月球之旅》，当时是出于私人目的制作的，直到2013年才被公开发布到网络。

• 冈本忠诚制作了一部复杂的、由多种材料组成的定格动画短片《南无一病息灾》，一种被称为“苏吉”、常见于寺庙和神社的日本传统木材，被用于绘制动画的角色和布景，除了创造一种特别的外观，也有内在的文化连接。

• 马塞尔·扬科维奇斯执导的匈牙利首部动画长片《勇士约翰》（Johnny Corncob）上映，是一部视觉风格类似于《黄色潜水艇》的传统动画。

1974：

• 宫崎骏为高桥茂人和高畑勋执导的动画长片《阿尔卑斯山的少女》（アルプスの少女ハイジ）制作了完整的“布局”（LAYOUT）。
• 这是加在分镜与原画（关键帧动画）之间的工序，包括明确的构图和镜头运动，角色具体的动作表情，较详细的背景以及图层分割等所有用于指引后续动画制作的内容。
• 在1970年代，使用布局工序的动画并不多，但到1990年代，布局已经成为动画片制作的标准流程。

• 川本喜八郎创作了一部铅笔画风格的剪切动画《诗人的生涯》，使用传统赛璐璐动画技术难以实现的细腻风格，川本巧妙地利用了叠化过渡，让不合适剪切动画偶表现的动作（如翻转身体等），表现得自然且写意。

• 鲍勃·加德纳和威尔·文顿执导的《星期一闭馆》成为首部获得奥斯卡奖的定格动画片，主要使用粘土制作。
• 文顿在几年后创造了术语“克雷美逊”（Claymation），尽管其最初目的是用于区分自己的粘土动画和他人的粘土动画，但该术语后来经常被用来形容所有粘土动画。

1975：

• 尤里·诺尔斯金执导的《迷雾中的小刺猬》（Hedgehog in the Fog）是首部表现出立体雾效的剪切动画短片，使用特制的多平面相机，把很薄的纸覆盖在画面上，当它逐渐抬高时，画面看起来便会变白和变模糊，结合巧妙的分层，创造出一种逼真的深度感和立体感。

• 伊佛·卡普里诺执导的挪威首部动画长片《品契克利夫大奖赛》上映，这部定格木偶动画由一个大约5人的团队历史3.5年制作。

• 史蒂文·斯皮尔伯格执导的电影长片《大白鲨》（Jaws）使用了3条全尺寸气动鲨鱼机器偶，并勇敢地选择在真实海面上拍摄。
• 虽然拍摄过程困难重重且严重超资，但这部电影的成功，成为好莱坞电影史上的分水岭。激烈、惊险、刺激的动作片开始成为主要题材，这类电影的爆发在一定上推动了基于计算机的动画技术的发展。毕竟传统特效技术在应对这类电影时，其局限性和安全问题都摆在眼前。

1976：

• 胡进庆和周克勤执导，上海美术电影制片厂制作的《长在屋里的竹笋》成为首部水墨剪纸动画，把定格动画的纸偶制作成水墨画人物效果，纸偶使用了我国历史悠久的“桑皮纸”，有一定韧性和厚度，纤维细长，通过“拉毛”处理后可用于模仿水墨画的晕染效果，尽管角色动作没有《小蝌蚪找妈妈》那种逐帧“绘”制的水墨动画流畅，但能表现更复杂的场景和内容。
• 随着动画大师胡进庆的不断钻研，这些水墨剪纸动画偶的结构愈发复杂，动作越发流畅，他还将带来多部震撼世界的剪纸动画。

• 艾弗·伍德和巴里·利斯执导的电视动画《帕丁顿》（1976-1980）是一部特别的3D+2D定格动画，主角帕丁顿是一只立体的毛绒熊动画偶，而其他人类、动物和大部分场景则使用二维的剪切动画偶表现，在真实与虚构之间营造出一种有趣的反差。

• 卡洛琳·丽芙制作的玻璃绘动画短片《街区》使用混合了阻燃剂的颜料，这样颜料便不容易变干，以便玻璃上的画面在拍摄完之后，可以局部抹除，再修改成下一帧，创造一种更独特的涂抹感，后来多数的玻璃绘动画都沿用了这一形式。

• 冈本忠诚又发明了一种用彩色毛线作画，结合玻璃绘背景制作动画的方法，带来了可爱的定格动画短片《那是谁？》。

1977：

• 动物特效大师哈里豪森为萨姆·沃納梅克执导的《辛巴达穿破猛虎眼》制作了一系列神奇的生物，但与同年上映的、引入了新兴的计算机动画的电影相比，这让哈里豪森的动画魔法显得有点“过时”。

• 考·浩德曼执导的动画短片《沙堡》结合了沙动画和木偶动画的技术，使用一系列由沙子覆盖的定格动画偶，在一个沙盘上制作，控制沙子拍摄有立体造型的定格动画是一个复杂且耗时的过程。

• 阿德曼动画创作了一个自由式粘土动画角色“莫夫”并开始制作其同名动画系列，是最早用作电视系列动画的自由式粘土角色。

• 迪士尼动画改进了他们的静电复印术，摆脱只能产生黑色轮廓的问题，艺术家使用中灰色调创造更柔和的线条。沃夫冈·赖瑟曼等执导的《救难小英雄》是首部使用该技术的动画长片。

• 拉尔夫·巴克希执导的两部动画长片《魔界传奇》（1977）和《指环王》（1978）都大量使用了转描技术，前者的战斗场面是从“影片库”中拼接的，后者拍摄了几乎完整的真人版，然后再转描成动画。两部动画展示了传统动画制作中很少出现的，如宏伟的多人战斗场面、复杂的镜头运动、大量逼真的次级运动等。虽然整体动画效果时而十分流畅，时而又十分怪异，但它确凿地显示了动画和电影边界的模糊。

1978：

• 上美影制作的中国首部电视动画连续剧《邋遢大王历险记》开播，由钱运达和阎善春执导，是一部典型的传统手绘动画。

1979：

• 詹姆斯·弗劳利执导的《大青蛙布偶电影》、展示了另人惊讶的、复杂的、精致的木偶动画技术，它被称为70年代最成功的木偶动画电影长片，但传统木偶动画技术的边界也越发明显。

• 丽塔·内利马克卡和亚科·西克执导的芬兰首部动画长片《七兄弟》（Seitsemän veljestä）上映，是一部极具水彩画风格的动画，角色通过纸偶+剪切动画的方式制作，尽管在视觉艺术上是少见的且令人期待的，但在1970年代末，传统剪切动画技术已经难以让观众维持一个多小时的兴趣。

从19世纪末到1970年代，电影时代和电视时代相继而来，而基于电影技术框架的动画技术，在这大半个世纪中，从懵懂的摸索到形成行业，从个人艺术创作到流水线生产，它已构建完所有必要的基础，也逐渐看到了传统动画技术的边界。

但人类的文明仍在演进，动画技术也早已在人类的科技发明中发现了新伙伴，并在电影动画和电视动画产业互相竞争的时候，悄悄地架起了全新的舞台——“计算机动画”，它将逐渐接替电影动画，成为动画技术发展史的新时代。

随着汉纳-巴伯拉（Hanna-Barbera Productions）制作的电视动画连续剧《摩登原始人》（The Flintstones，1960-1966）开播，电视动画在美国占据越来越大的市场。尽管它收到了不少来自评论界的嘲讽，但这种“愚蠢闹剧”却被观众接纳，并极大地推广了“有限动画”。

• 采用12帧/秒，减少逐帧绘制工作量，重复使用背景与动作序列，单集制作成本降低至约3万美元（同期真人剧集成本超百万美元）
• 粗线条与高对比色，简化角色与场景细节，通过几何化造型降低绘制复杂度，强化喜剧效果的同时也更合适当时传输质量十分有限的电视。
• 更依赖对话与音效主导叙事，减少对画面动态的依赖。

《摩登原始人》的成功，极大地推动了电视动画从儿童教育工具转型为大众娱乐产品这一进程，其商业成功与艺术妥协的辩证关系，成为动画史研究的重要案例。而单纯从动画技术的角度来看，它显然是为特定的平台他挑选了更合适的技术的典型案例。

From Assembly-Line Cartoons to Cinema Craft: The Divergence of TV and Film Animation

20世纪60年代，尽管电视时代没有结束电影产业，但它确实剪断了动画短片和电影院之间的纽带。好莱坞主流制片厂的动画部门陆续关闭，动画行业逐渐被基于电视、面向儿童的有限动画主导。动画片作为儿童娱乐的观念在公众意识中植根，甚至影响到整个动画行业的发展。与此同时，日本电视产业开始兴起，也驱动了日本电视动画产业，寻求以量取胜的日本电视动画，进一步把传统动画制作拖进廉价、流水线、有限运动的习惯。而在大量廉价电视动画的背后，各种有趣的、实验不同技术的动画短片也不断涌现，只是它们的传播度远不及商业动画。

1960：

• 索尼推出世界上第一台非投影型全晶体管电视（TV8-301），尽管价格很高，但它标志着日本电视产业的兴起。
• 即将涌入电视动画竞技场的日本动画行业，将进一步推进电影动画和电视动画的分界。

• 虞哲光执导了中国首部折纸动画片《聪明的鸭子》。尽管折纸偶的可动性有限，但虞哲光利用了其艺术特点，创造出一种有趣的，而不是逼真折纸偶角色动画。该片展示了动画技术在拟生方面的多样性。
• 章超群执导的《大奖章》成为中国首部立体电影动画片。

• 视频工艺国际公司（后更名兰金/贝斯动画娱乐公司）在纽约创立，它是已知最早发展国外动画外包业务的美国公司，这纯粹是为了利用地区人力成本差异以降低动画制作成本而开发的业务，但在一定程度上也带动了相关国家的动画产业。

1961：

• 特伟等执导的中国首部水墨动画片《小蝌蚪找妈妈》上映，随即在国际范围引起轰动，获昂西动画节短片特别奖，是中国动画技术创新的重要里程碑。
  • 该片在1959-1960年间制作，模仿著名水墨大师齐白石的造型风格，水墨画的特性对于逐帧绘制的传动动画技术来说是极大的挑战。
  • 制作人员巧妙地引入了刻章技术，把动画中需要使用的笔法制作成印章，从而在序列图中创造相同的笔触。
  • 此外，水墨画色彩叠加的效果，是通过繁复的分色分层绘制，再叠加拍摄的方式模拟的，原理类似于古代的饾版印刷术。
  • 这些技术当时是保密的，外人无从知晓。

• 克莱德·吉诺尼米等执导的迪士尼动画长片《101斑点狗》是首部完全使用“静电复印术”制作的动画长片，它取代了手绘墨线流程，节省了一大笔人力成本，但这意味着一群人的失业，也导致一些艺术风格上的转变（轮廓线会变得相对粗略），但该动画在票房和评价上都是成功的。

• 波兰动画师维托尔德·吉尔兹创作的《西部马利》有时候也被介绍为首部玻璃绘动画片，原因可能是40年前沃尔特·鲁特曼的动画一度被遗忘，也可能因为这是首部讲述具体故事的玻璃会动画，有部分学者把叙事性作为动画片的必要特性之一。

• 大卫·斯威夫特执导的电影长片《爸爸爱妈妈》（父母陷阱）使用了一种创新且有效的合成技术，把两个“海莉”合成在同一帧中。摄影师把镜头固定，演员轮流扮演两个角色，在相同场景的指定位置进行重复拍摄，然后通过光学打印机和移动遮罩合成，背景设计也巧妙地协助了隐藏遮罩边缘，该片几乎没有明显的合成痕迹。

• 迪士尼开始研究用于娱乐和电影制作的现代“电子动画偶”技术，并创造了术语“有声电子动画偶”。他还资助建立加州艺术学院，这是一项聪明的投资，该学校在未来几年为迪士尼公司提供了大量创意人才。

1962：

• 莫里斯·宾德为詹姆斯·邦德系列的首部电影《诺博士》（Dr. No）制作了著名的标题动画，虽然它看起来很像使用了数字动画技术，但它是在数字时代之前制作的。

• 哈里·史密斯创作的剪切动画长片《天地魔术》，使用来自维多利亚时代的图像材料，重新组合出一部独特的实验动画。

• 手冢治虫创立的虫制作推出了其首部动画《某个街角的故事》（ある街角の物語），虽然也大量使用了有限动画技术，但视觉风格上与他们后来的商业电视动画大相径庭，该片获第一届大藤信郎奖。

1963：

• 芹川有吾执导的动画长片《淘气王子斩大蛇》首次正式宣布了日本动画制作系统中“作画监督”这一个职位，主要负责统一不同镜头的“原画”风格。
  • 最初也称“原画监督”，但因容易与其他领域的原画概念混淆，后来一般使用“作画监督”一说，“监督”来自日语汉字，中文意译应为“导演”。
  • 该职位的出现源于美日动画制作流程中的差异，美国传统动画制作系统中，角色动画的统一通常是通过为每个角色分配专门的动画师实现的，而在日本是按照每个镜头分配动画师的，因此同一角色可能因为分给不同的动画师而出现“走样”，需要专门的作画监督来保持统一性。
  • 随着动画产业的进一步发展，作画监督的工作在1980年代开始更细致的划分，如角色作画监督、机械作画监督、效果作画监督等。
  • 近年来，同一动画作品的作监人数有增加迹象，亦新增“总作画监督”一职，这与动画制作周期不断压缩，作画监督不得不直接参与作画修正，以及动画制作体量不断增加有关。
  • 此外，有时候角色设计负责人也可能参与作监，主要负责统一近景中角色的面孔。
  • 作画监督只负责“会动的”部分，背景画由美术监督负责。

• 唐·查菲执导的电影长片《杰逊王子战群妖》展示了哈里豪森新开发的一种真人+定格动画特效技术“动态动画”（Dynamation），利用背投把真人镜头和定格动画组合在一起，其打斗镜头是第一次真人演员和定格动画偶如此紧密地“交互”。

• 以喜欢探索各种各样不同的技术闻名的实验电影代表人物斯坦·布拉哈格，创作了一部使用翅膀、羽毛、花瓣等粘贴的“直接动画”短片《月光》，这是一种很少见的动画技术，它有时候和直接绘制在胶片上的动画归为一类。

• 随着电影动画的市场进一步收缩，华纳兄弟公司关闭了他们的动画部门。

1964：

• 万籁鸣和唐澄执导，上美影制作的彩色动画长片《大闹天宫》完成，
  • 使用传统手绘动画技术，作画由万氏兄弟亲自监督，动画绘制水平显然领先于同时代亚洲动画行业，成为中国动画史的又一块重要里程碑。
  • 该片分上下两部，分别完成于1961年和1964年，但完整版直到1978年才得以公映。
  • 可惜的是，这批曾经把中国动画技术推至世界领先水平的动画艺术家们，在接下来10多年的动荡时代中与新一代动画技术以及动画产业发展均失之交臂。

• 汉纳和巴伯拉执导的《瑜伽小熊》成为首部基于电视动画的电影动画长片，为保持作品的一致性，它使用了较多的有限动画技术。

1960年代中

世界各地的主要电视网络陆续进入全彩时代，这对电视动画行业来说无疑提高了要求。

很多低成本美国动画片都开始把制作工作外包到日本、韩国、中国、加拿大、澳大利亚、菲律宾、印度等地。外包业务把动画产业带到了更多地方，在一定程度上推进了动画产业全球化发展，但也带来了动画制作的同质化。

1965：

• 随着电影音效和视效技术的成长，奥斯卡把“最佳特殊效果”分为“最佳特殊视觉效果”和“最佳音效”，《玛丽·波平斯》成为最佳特殊视觉效果的第一个获奖者。

• 捷克木偶动画大师特恩卡推出了他最后一部作品《手掌》，有趣的是，该片把真人实拍片段作为一种特效，合成到木偶动画中。

• 小艾略特·诺伊斯制作了著名的自由式粘土动画短片《物种起源》（The Origin of Species），仅以简朴的造型创造出活泼的生命力和丰富的情感。

伊士曼·柯达公司推出了“超级8毫米”胶片格式，从而开启了家庭电影院的市场，但其高昂的价格仅允许一小部分富人享受这一新技术。

1966：

• 格兰特雷-劳伦斯动画和漫威漫画集团制作的电视节目《漫威超级英雄》使用了一种后来被称为“运动漫画”的动画技术，把漫画书中的图像分割成多个小块，配合简单的运动插入屏幕，再加上配音和音效。
• 术语“运动漫画”直到2005年才由DC漫画首次使用。

• 圆谷英二为电视台制作的电视特效节目《奥特Q》，在日本掀起了一股“怪兽热潮”。
• 随后播出的“奥特曼”系列更是声名大噪。

• 迪士尼离世，加上资深员工也陆续退休或长辞，迪士尼动画暂时陷入困境。

• 美国作为动画产业老大哥的地位在1960年代中期开始受到挑战，随着日本电视动画产业的崛起，美国动画公司开始探索引入日式动画风格的可能性，视频工艺国际公司和东映动画合作制作了电视动画《金刚秀》（1966-1969）。

1967：

• 拉杜兹·辛瑟拉等执导的《自动电影》（Kinoautomat）通常被介绍为首部互动电影，在第67届世博会的捷克斯洛伐克馆首映，
  • 播放该片的电影院是定制的，放映期间会出现暂停，让观众通过安装在座位上的按钮投票决定电影故事走向，电影片段的切换通过在两台同步的放映机之间切换镜头盖实现。
  • 1910年代在英国也短暂流行过一种“电影射击馆”，当观众在正确的时间射击屏幕会触发暂停，但不会影响电影故事走向。

• 笹川浩执导的电视动画《马赫5号》（1967-1968）片尾出现了已知最早的“子弹时间”动画案例，
  • 角色从车内跳出时，时间冻结，镜头从前面旋转到侧面。
  • 术语“子弹时间”是由后来沃卓斯基姐妹执导的电影长片《黑客帝国》（1999）创造的。

• 1960年代后期，灯光秀开始引入更复杂的投影系统，把液体灯、射灯、幻灯和电影投影机结合在一起。
• 理查德·泰勒和朋友创办了“彩虹果酱”，把32台电子幻灯片放映机和4台电影放映机，以图形的方式排列在一起，在屏幕上创造了一个6层深的立体投影场景。
  • 他后来加入了电影特效制作行业，并成为计算机动画先驱。

1968：

• 索尼推出领先业界的“特丽珑”显像管彩色电视，随即引发抢购潮，为日本电视动画行业的发展铺平了道路。

• 高畑勋执导了他的首部动画长片《太阳王子霍尔斯的大冒险》，其流畅度和复杂度远高于当时其他日本商业动画。
  • 宫崎骏担任美术和原画设计，这标志着高畑勋和宫崎骏伙伴关系的开始。他们将带来多部震撼动画界的动画作品，穿越传统动画和数字动画时代。

• 乔治·邓宁执导的《黄色潜水艇》是风格化动画的一个重要里程碑。
  • 在这部动画片中，有限动画作为一种风格的功能又回来了。其超现实主义下乖张的自由式变形，既融合了当时新兴的迷幻风格，又重新激发了美国联合影业开创的现代图形动画的活力，并和当时主导美国好莱坞动画行业的现实主义系统形成鲜明对比。
  • 鼓励艺术风格的多样性对动画技术发展具有重要意义，避免其因为不断的量产而从一种创造的技术，变成流水线上的技术。
  • 有报道说该片使用了毛雷尔的“自动动画系统”。
    • Beck J). (2010). 约 1966 年的表演捕捉技术: 动画镜. [2022-10-30]. https://www.cartoonbrew.com/cgi/performance-capture-technology-circa-1966-animascope-20068.html

• 卡洛琳·丽芙在哈佛大学创作了已知首部“沙动画”《彼得与狼》，这是一种用沙子在灯箱上绘画，然后逐帧拍摄的动画技术。后来也有直接录影，或直播整个绘画变化过程的沙动画表演。

• 佩·奥林和塔格·丹尼尔森执导的《从一个老男人的脑中出来》通常被介绍为瑞典首部动画长片，尽管它实际上结合了真人实拍。

1969：

• 20世纪60年代末70年代初，混合多种不同动画技术的实验动画再次变得活跃，它们和20世纪初那批混合技术动画相比，显然更注重不同艺术风格的引入和不同文化意识的传达。

• 伊恩·迈克纳顿和约翰·戴维斯执导的电视剧《巨蟒剧团之飞翔的马戏团》（1969-1974）在真人片段中加入了特瑞·吉列姆创作的动画片段，他把真人实拍、剪切动画、有限动画和运动图形动画结合在一起，拼凑出一种另类的视觉艺术，也是把真人照片用作剪切动画材料的早期案例之一。

• 大卫·切尔卡斯基执导的动画长片《宗教滑稽剧》结合了真人实拍、剪切动画和传统手绘动画三种不同技术，其中包括把真人演员通过特殊化妆，很好地融合进背景中。

• 皮诺·扎克执导《不存在的骑士》进一步把真人实拍、传统手绘动画、剪切动画和木偶动画四种动画技术结合在一起。

1960年代末，东映、龙之子等日本动画公司开始发展国外外包业务，他们通常是把剧本、分镜、预制作、原画、演出、后期等附加值高和重要的工作留在日本制作，把补帧、描线、着色等便宜的工程外包到国外，派出动画师进行技术指导以保障“质量”。韩国和中国台湾是最早的承包方， 直到80年代后期当地人力成本高涨，日本动画公司又把外包业务拓展至东南亚成本更低的地区。

From Silver Screen to Small Screen: The Rise of Animated Television

任何科技产品都是在整体人类文明积累的基础上升级换代的，电视动画显然继承了电影和动画的努力，但它的诞生还依赖一些重要的基础发明。

before 1900

• 1600年，英国物理学家威廉·吉尔伯特（William Gilbert，1544-1603）创造了物理学术语“电”（electric）。在1600年的著作 《论磁石》（De Magnete, Magneticisque Corporibus, et de Magno Magnete Tellure） 中，首次系统研究电现象，用 “electric”（源自希腊语“琥珀”，ἤλεκτρον）描述摩擦琥珀产生的静电吸引力，奠定电学研究基础。

• 1745-1746年，两位科学家，埃瓦尔德·克莱斯特（Ewald Georg von Kleist，1700-1748）和制作过机械幻灯片的彼得·穆森布罗克（Pieter van Musschenbroek，1692-1761），分别独立发明了最初的电容器“莱顿瓶”，为早期电学实验提供了重要基础。
  • 克莱斯特与穆森布罗克均于1745–1746年独立完成发明，但穆森布罗克的论文传播更广，导致其名字与莱顿瓶关联更深。克莱斯特因早逝未及时发表成果，其贡献长期被低估，直至20世纪才被重新确认。
  • 莱顿瓶为富兰克林的风筝实验提供了关键工具。

• 1752年，本杰明·富兰克林（Benjamin Franklin）通过风筝实验证明闪电与实验室摩擦产生的电性质相同，终结了“电是神秘现象”的传说，这刺激更多科学家参与关于电的研究。

• 1843年，物理学家亚历山大·贝恩（Alexander Simson Bain，1810-1877）发明了第一个逐行扫描机制，基于同步旋转滚筒与金属针接触的机械扫描系统，用于将图像转化为电信号并通过电报线传输。
• 这是人类首次实现图像的数字化传输（尽管是模拟信号），不仅带来了图像传真机（Pantelegraph），也是电子图像的开始。信号序列化概念为后续电视技术、计算机图像学、数字图像和数码相机都奠下了基础。
  • 贝恩的技术属于机械-电信号混合系统，非纯电子技术（电子成像需待19世纪末电子管与光电效应发现后实现）。
  • 英国科学家弗朗西斯·罗宾斯（Francis Ronalds）于1840年代早期提出类似概念，但因缺乏资金未申请专利，贝恩为首个实用化实现者。

• 1850年代，贝恩改进了其扫描装置，成功实现了手写文字与简单图形的跨洋传输。

• 1860年代初，物理学家詹姆斯·麦克斯韦（James Clerk Maxwell，1831-1879）提出了“麦克斯韦方程组”成为经典电磁学的基础方程。他推动了电子科技的发明，提出光波也是一种电磁波的猜想，提出 “位移电流” 概念，完善安培环路定律。“麦克斯韦方程组”被誉为19世纪物理学最伟大的成就。
  • 亨德里克·洛伦兹在19世纪后期进一步增益了该进程。
  • 麦克斯韦的理论是纯数学推导，电子设备（如真空管、晶体管）诞生于20世纪，但其原理均基于其方程组。
  • 其理论启发了海因里希·赫兹（1887年）通过实验发射并接收电磁波，开启无线电通信时代。

• 1862年，乔瓦尼·卡塞利研发的第一个在商业上实用的，通过电线实现长距离图像传输的设备“潘泰勒作图”（Pantelegraph）发出了它第一幅长距离传真图（从里昂到巴黎）。

• 1882年，世界上第一座商业发电站在纽约落成，这是所有家庭电子娱乐设备的能源基础。

• 1897年，德国物理学家、发明家卡尔·布劳恩（Karl Ferdinand Braun，1850-1918）发明了第一根阴极射线显像管（CRT）“布劳恩管”。它是所有电子显示器的老祖宗，成为电视和计算机图像技术的重要基础，直至21世纪初被液晶显示器取代。
  • 布劳恩万年陷入了所谓“战时科学家的普遍悲剧”，德国科学家的背景使其在第一次世界大战期间（1914–1918）因国籍问题被美国当局视为“敌国公民”，被迫离开学术岗位，晚年生活潦倒。虽无证据表明其死亡与战争直接相关，但战时环境加剧了其生活困境。
  • 1920年，国际无线电工程师学会（现IEEE）设立 “布劳恩奖章”，表彰其在电子工程领域的贡献。

1900：

• 俄国物理学家与电气工程师康斯坦丁·波斯基（Константин Перского，1854-1906）在的巴黎举办的第二届国际电业大会上创造了术语“电视”（俄语：телевидение，英语：television）一词。
  • 该词由希腊语 “tēle”（远方）与 “horāma”（景象）组合而成，直译为“远程视觉”。
  • 标志着现代电子成像技术的正式命名，成为全球通用术语。
  • 波斯基的理论停留在概念层面，未实际制造电视原型机，但其术语和框架被广泛采纳。

1904：

• 英国电气工程师、物理学家约翰·弗莱明（John Ambrose Fleming，1849-1945）发明了第一个实用的真空管“弗莱明阀”（二极真空管）。
  • 首个实用化热电子二极管，利用真空管中加热阴极发射的电子单向导电性（整流作用），实现交流电到直流电的转换。
  • 首个电子放大与整流器件，标志着电子学从“静态电学”迈入“动态信号处理”时代，直接催生广播、电话、计算机等产业。
  • 符号象征：弗莱明阀的玻璃管形象成为科幻作品中“蒸汽朋克”美学的标志性元素。
  • 真空管后来主宰了电子学长达50年之久，直至1947年晶体管问世才被取代。

1907：

1923：

• 俄裔发明家维拉蒂米尔·兹沃里金（Vladimir K. Zworykin，1888-1982）开始为其全电子电视系统申请专利（US1,691,324）。
  • 原理：
    • 光电摄像管（Iconoscope）：首个电子成像传感器，利用铯涂层氧化镉光电阴极将光信号转化为电信号，替代传统机械扫描圆盘，分解图像为像素（约500×500分辨率），通过电子束逐行扫描传输。
    • 电子显像管（Kinescope）：1929年原型机，1933年完善并申请专利。通过电子束轰击荧光屏还原图像，首次实现全电子化图像显示，分辨率达每帧400线（远超机械电视）。
  • 后续：1933年完成 电子扫描系统，彻底取代机械扫描，成为现代电视标准。
  • 意义：
    • 首个完全电子化的图像传输与显示技术，分辨率、刷新率与稳定性远超机械电视，直接推动电视普及。
    • 奠定现代电视技术基础，成为电子电视标准范式，其专利被美国无线电公司（RCA）采用，主导20世纪电视产业，直至数字电视时代来临。
    • 光电摄像管原理衍生出现代摄像头、医疗内窥镜与航天成像设备。
  • 争议：
    • 兹沃里金与费罗·法恩斯沃斯（Philo Farnsworth）均声称发明全电子电视，但法恩斯沃斯的 “图像解调器”（Image Dissector） 仅能传输低分辨率图像，而兹沃里金的 Iconoscope 更具实用性。法院最终裁定两人技术互补，RCA支付法恩斯沃斯专利授权费以推进电视商业化。

1925：

• 约翰·洛吉·贝尔德（John Logie Baird，1888-1946）发明了第一台可以被称为电视的设备（机械电视），基于机械扫描传输图像。
  • 1925年10月2日：首次成功传输木偶的电视图像（使用尼普科夫圆盘和旧零件组装设备）
    • 尼普科夫圆盘：1884年由保罗·尼普科夫发明，通过机械旋转圆盘分解与重组图像。
    • 首次将 无线电波 用于电视信号传输，奠定广播电视基础。
  • 1926年1月27日：在伦敦皇家学会公开展示首台可工作的机械电视系统，传输人脸图像，因此被称为“电视诞生日”
  • 1930年代因电子电视崛起逐渐淡出主流，但其机械系统仍是早期电视史的核心里程碑。

1927：

• 美国发明家费罗·法恩斯沃斯（Philo Taylor Farnsworth，1906-1971）发明了第一台全电子电视。
  • 1927年9月7日：在加州旧金山实验室成功实现电子电视图像传输，首次使用光电摄像管（Image Dissector）和阴极射线管（CRT）完成全电子化图像捕捉与显示。
  • 原理：
    • 光电摄像管：通过光电效应将图像分解为电子流，利用电子束扫描并传输像素信息；
    • 阴极射线管：接收电子信号后，通过电子轰击荧光屏重建图像，分辨率达每帧30线（远超同期机械电视的5-10线）
  • 后续：1937年，RCA支持兹沃里金（Vladimir Zworykin）的系统商业化，法恩斯沃斯因专利诉讼与资金短缺逐渐淡出主流

• 贝尔实验室完成从华盛顿到纽约市的第一次远距离电视传输。

1928：

• 贝尔德研制出第一台彩色电视并成功实现长距离传输。

1931：

• 斯福罗金，发明了全电子电视系统的
  • 开发 彩色电视传输系统，首次实现三基色电子成像。

1936：

• 英国广播公司（BBC）结合贝尔德的机械扫描与新兴的电子显像技术，构建了首个电视广播系统。
  • 开启了全球广播电视商业化进程，1930年代末至1940年代，美国、德国等国相继建立电视台，但距离全球性的普及还有几十年。

1938：

• 漫画和动画家乍得·格罗思科普夫制作的实验性动画短片《蠕虫威利》在美国全国广播公司电视频道播出，成为首部专门为电视播出创作的动画片，但当时只要极少数人拥有电视。

• 受到第二次世界大战的影响，加上当时的电视接收机价格高昂，电视动画行业直到1950年代才开始发展。

1939：

• 美国无线电公司（RCA）首次电视直播
  • 通过NBC的纽约分台W2XBS（现WNBC-TV）进行，内容包括罗斯福总统演讲、棒球比赛等，并首次插入电视广告（由Ivory香皂、美孚石油等赞助）。

• 1950年代，见证了动画行业从影院动画转向电视动画的开端。
  • 好莱坞反垄断案后，动画片不能再通过“打包式”出售，但当时动画片的制作成本远高于真人电影，加上电视的影响，好莱坞制片厂开始缩减面向电影院的动画片制作。
  • 有动画工作室开始探索电视动画，或尝试坚守影院动画。
  • 原来的高度易燃的赛璐璐胶片陆续被由醋酸纤维素制作的“安全胶片”代替，电影胶卷的安全性大大提高。
  • 随着家庭电视的推广，电视广告动画行业也逐步兴旺，它们多数没有被认真记录。
  • 更多国家参与到电影和电视动画制作行业，从而把不同的艺术形式和风格带进了动画。

电影动画和电视动画，在制作技术上没有本质区别，但在视觉要求、观众群体、时长数量和商业模式上的差异，让它们在1950年代开始分野。

1950：

• 首部专为电视制作的动画连续剧《十字军兔》（Crusader Rabbit，1950-1959）开始播出，由电视艺术公司制作，其最初的系列使用了十分有限的动画，人物动作很微小甚至直接剪切。

• 摄影师兼发明家埃德温·吉列(Gillette E)发明了一种用于木偶动画制作的转描镜。
  • Gillette E. 用于制作动画图片的装置: US2599624A[P]. 1952-06-10.

• 12月：法国第一部动画长片《约翰尼小巨人》（Johnny the Giant Killer）上映。

• 尽管动画的主战场已转向电影和电视媒体，但传统的屏幕之外的动画依然没被遗忘。可动偶和自动偶技术也在不断融合改进，各种各样的“动画偶”依然经常出现在1950年代的专利申请文件中，尽管它们多数成为了孩子的玩偶，日常生活品种里的装饰，但也是影视特效中的重要一环。

1951：

• 梅尔文·巴克(Barker M).发明了一种可以安装在车辆上，利用车辆行驶时造成的晃动或摇摆展示动画的动画广告展示设备。它基本可以理解为摇摆娃娃可动书的变体，由于无需发条或电力驱动，它体积很薄且成本不高，尽管只能实现简单的动画，但十分有趣且“随机”。
  • Barker M.  Animated advertising display: US2631395A[P]. 1953-03-17.

1952：

• 第一种被广泛使用的彩色电视广播标准“NTSC制式”面世，与1960年代相继推出的“PAL制式”和“SECAM制式”成为数字电视广播之前的“三大制式”。

• 在电影票房收入普遍下降的时期，好莱坞电影界尝试通过一些“电视做不到”的方式重新吸引观众。
  • 沉寂已久的立体电影再次出击，阿奇·奥博勒执导的《非洲历险记》票房大获成功，它也是第一部彩色立体电影，但这股热潮只持续了2年。
  • 派拉蒙推出宽银幕“辛尼拉玛”（Cinerama），尽管这是一项突破性的技术，但过于昂贵的成本和繁琐的技术（需要专用的摄影机和三台完全同步的放映机），加上观众短暂的热情，很快便被放弃。

• 大藤信郎执导的动画短片《鲸》，使用透明的彩色玻璃纸和影偶，在一个带有背光的多平面相机动画台上拍摄，创造了一种特别的、既平面、又立体的层次感。

1953：

• 哥伦比亚广播公司推出了世界上首部交互电视节目《温基·迪克和你》（1953-1957）
  • 这是一档个面向儿童家庭娱乐的电视节目，观众可以将一张透明胶纸（配套商品）覆盖在电视上，在主持人或动画片的引导下绘画简单的图画，帮助迪克走出困境。

• 英国广播公司推出了第一个三维运动图标动画。
  • 该符号由海报艺术家亚伯兰·盖姆斯设计，虽然如今看来很像是使用三维数字动画技术制作的，但它实际上是由模型师建造的一个可实际运作的实物三维模型拍摄的。

• 20世纪福克斯的总裁斯皮罗斯·斯科拉斯推出一种只使用一个变形镜头的宽银幕技术“辛尼马镜”（CinemaScope），低门槛的要求让它更容易被推广，亦标志着现代变形格式的开始。
  • 首部使用该技术的商业电影长片是亨利·科斯特执导的《圣袍》。

• 拜伦·哈斯金执导的《世界大战》制作了大量让人尊敬的特效动画，尤其呈现了五颜六色的火焰、烟雾和辉光效果，以及“有趣”的外星飞船，但传统特效动画技术的局限性也越发明显。

• 上海美术电影制片厂推出中国首部彩色木偶动画片《小小英雄》，由靳夕执导。

• 《嘟嘟，嘘嘘，砰砰和咚咚》 (Toot, Whistle, Plunk and Boom)迪士尼第一部使用“CinemaScope”格式的动画片。

1954：

• 美国全国广播公司开始播放彩色电视节目，无线电公司推出彩色电视机，成为第一代商用彩色显示屏，但距离彩色电视的普及还有一段时间。

• 迪士尼开始推出电视节目《华特·迪士尼的迪士尼乐园》（1954-1958）
  • 意识到当时的电视媒体经济状况不足以支持他的制作标准，没有制作专门的电视动画片，而是把存档作品汇编、串联成电视剧集。
  • 直到1962年，迪士尼第一个专门为电视动画节目创造的角色“饭桶博士”才在正式登场。
  • 该节目后改称“华特·迪士尼出品” (1958–1961)，“华特·迪士尼奇妙的色彩世界” (1961–1969)，中略，“迪士尼的奇妙世界” (1991至今），

• 巴西首部动画长片《亚马孙交响曲》上映，它几乎由阿雷利奥·拉蒂尼一个人耗时6年完成，黑白传统手绘动画。

• 本多猪四郎执导的电影长片《哥斯拉》开启了一个被称为“怪兽特摄”的特效动画类型，由圆谷英二担任特效导演，最初打算使用定格动画技术，但由于明显的技术差距，该片哥斯拉的大部分镜头都是由真人演员穿着“套装”扮演的。

• 理查德·弗莱舍（Richard Fleischer）执导的电影长片《海底两万里》（20,000 Leagues Under the Sea，1954）制作了一只长达70英尺、重达2吨、由28位木偶师操控的巨型章鱼机械动画偶，通过钢丝滑轮和空气软管控制章鱼触手的运动。该片的制片人是华特·迪士尼。

• 派拉蒙影业创建了一种35毫米电影格式的宽银幕变体“超视综艺体”（VistaVision），虽然仅7年后便停止开发，但直到1970年代依然被一些对高分辨率和宽屏有特殊需求的电影使用。

• 中国电影先驱们凭借不懈拼劲和毅力，终于带来第一部真正意义上的彩色电影《梁祝》（桑狐执导）。
  • 当时中国缺乏专业彩色胶片和摄影设备，摄制组通过苏联进口过期胶片；
  • 依然没有足够的专业摄影灯，摄制时甚至借用了军用防空探照灯；
  • 影片被周恩来总理称为“中国的罗密欧与朱丽叶”，并在1954年日内瓦会议上放映，成为新中国文化外交的重要案例。

1955：

• 美国动画先驱保罗·特里（Paul H. Terry，1887-1971）以350万美元的价格（江湖传说），把他的动画工作室和电影资料库卖给了哥伦比亚广播公司，成为第一位把老电影打包卖给电视的动画制片人。

• 迪士尼、华纳兄弟和沃尔特·兰茨等传统动画制片厂相继尝试制作立体动画片。

• 克莱德·吉诺尼米（Clyde Geronimi）、汉密尔顿·卢斯科（Hamilton Luske）和威尔弗雷德·杰克逊（Wilfred Jackson）执导的《小姐与流浪汉》（Lady and the Tramp），是迪士尼首部、也是全球首部采用2.55:1超宽银幕（CinemaScope）比例的动画长片。
  • 空间的扩展增加了深度，角色需要放到场景中间，而不再是以前常用的背后场景。
  • 此外，由于当时并非所有的影院都能放映宽屏电影，该片也制作了传统的学院比格式，其中有重要角色在屏幕边缘的场景，是重新组建的，因此它也成为首部双屏幕格式的动画长片。
  • 为解决宽银幕适配问题，迪士尼工程师改良了动画摄影设备，确保宽幅画面在不同影院放映时不变形。
  • 迪士尼自研的多平面摄影机为提供了更细腻的景深效果。

• 美国著名平面设计师索尔·巴斯为奥托·普雷明格执导的电影长片《金臂人》（The Man with the Golden Arm）制作了他的首部“标题动画”（也称“文字动画”或“片头/片尾动画”），这种以文字和图形为主的动画在20世纪后期逐渐成为一种专门的动画类型，多数用于电影、电视节目的片头或片尾。巴斯成为标题动画的重要代表人物之一。

• 上海美术电影制片厂靳夕和尤磊执导的《神笔》上映，成为中国木偶片的第一块金漆招牌，也是首部在国际上获奖的中国动画片。

• 美国动画大师阿特·克洛基开始了他的“自由式粘土动画”创作，
  • 放弃了传统定格动画偶基于可动关节或内骨骼结构运动的习惯，直接使用粘土自由塑形，表现出一种全新的定格动画风格，融合偶动画和抽象动画两种风格。
  • 克洛基随后创造了经典的粘土人动画明星“冈比”，推出一系电视动画连续剧，其动画和授权商品至今仍很受欢迎。

• 威尔·詹金斯(Jenkins W)获得了两个关于“前投影”技术的发明专利[1][2]，是已知最早相关技术的发明专利。
  • Jenkins W. Apparatus for production of light effects in composite photography: US2727427[P], 1955-12-20.
  • Jenkins W. Apparatus for the production of composite photographic effects: US2727429[P]. 1955-12-20.

1956年

• 中国美术片制作正式进入彩色时代，钱家骏和李克弱执导的《乌鸦为什么是黑的》通常被介绍为中国首部彩色动画片，尽管此前的木偶动画《小小英雄》和《神笔》也是彩色的。
• 特伟和李克弱执导的《骄傲的将军》把中国京剧元素和传统造型艺术都很好地引入到赛璐璐动画中。

• 弗雷德·威尔科克斯执导的《禁忌星球》
• 带来了著名的机器人动画偶“罗比”，它的成本约为12.5万美元，在当时来说是十分昂贵的。罗比后来还出演了一些电影和电视剧，也影响了后来很多类似机器人设计。
• 米高梅向迪士尼借来的动画师制作了该片的怪物特效动画片段，使用传统动画技术绘画序列帧，然后拍摄高对比度图像，再叠加光辉效果，这让它看起来有点像现在的数字动画。

• 迪士尼的动画师克莱尔·威克斯，受邀培训了印度第一家动画工作室，完全基于迪士尼动画的技术流程和动画理念。

1950年代后期，电视的发展已经侵蚀了电影的市场，严重冲击了以往面向电影院的动画短片行业，生存压力和新市场的诱惑促使更多人走进电视动画行业。

1957：

• 原米高梅动画制作部门的两位动画制片，威廉·汉纳和约瑟夫·巴伯拉成立了首家专门制作电视动画的大型动画工作室“汉纳-巴伯拉制作公司”。
  • 电视动画的低预算导致他们无法采用全动画制作模式，基于当时电视屏幕的尺寸，他们决定进一步开发有限动画技术，简化角色设计和背景，更多地利用特写镜头和循环动画等。
  • 有限动画最初虽引来一些蔑视和批评，但似乎并没人能找到更好的解决方案。
  • 人们甚至惊奇地发现，如果专注于对话，尽管角色只在必要的时候才移动，竟没有影响动画的叙事功能，而粗犷的轮廓线和特写镜头也更合适当时电视的分辨率，过于细节的内容反而会在当年小小的电视屏幕中丢失。

• 贝尔实验室发行了由弗兰克·卡普拉执导的首部专为电视制作的教育动画长片《卓越的赫莫》（Hemo the Magnificent），使用真人实拍+传统动画技术，讲述血液循环系统。

• 詹姆斯·惠特尼（James Whitney，1921-1982）制作了一部全手工的实验动画《燕特拉》（Yantra），
  • 全手工绘制胶片（print on film animation），无摄影机拍摄，通过逐帧手绘、拼贴、刮擦胶片表面等技法，创造动态几何图案与光影效果。
  • 使用大头针在卡片上打孔，再通过这些孔阵在别的卡片上作画，创造出非常复杂的图形和流畅的动画。
  • 这位手工动画大师后来和其弟约翰·惠特尼合作，还将为世界带来首批电子动画设备、计算机动画，以及运动图形动画（MG）。约翰后来成为计算机图形学先驱，而詹姆斯坚持纯手工创作。

1958：

• 上海美术电影制片厂推出由万古蟾执导的中国首部剪纸动画片《猪八戒吃瓜》，
  • 把中国皮影、剪纸等传统美学和剪切动画技术结合，角色纸偶的关节结构和传统皮影类似，制作时会综合使用到剪、刻、拉毛、绘画、打孔、穿绳、粘贴等工艺。
  • 由于制作纸偶的材料太厚，拍摄时需要使用一些可多次粘贴又不会留下痕迹的定位材料，一种被称为“刮皮胶”的医用胶被利用，但其厚度会让纸偶和背景板之间出现细微的投影，当时是无奈之举，有趣的是，数十年后动画师却刻意利用数字动画技术模拟这种细微的投影。
  • 角色动作是先画好铅笔底稿，再对照着摆弄纸偶拍摄的。

• 东映动画推出由薮下泰司执导的日本首部彩色动画长片《白蛇传》，
  • 使用传统赛璐璐动画技术，三维角色模型、真人参考片和转描技术均被用于辅助作画。
  • 该片开始了日本传统动画制作中关于“第一原画”“第二原画”和“中割”的分工流程。
    • “原画”在日本传统动画行业中指关键动画或关键帧，有时候也指原画师本人，
    • 东映早期把“第二原画”署名为“动画”，大概在1980年代被明确署名为第二原画。
    • 而“中割”指的是中间帧或补帧，有趣的是，它在传统动画制作流程中通常直接被写作“动画”。

• 卡尔·齐曼执导的电影长片《毁灭的发明》使用真人实拍+各种动画技术，展示了一种独特的维多利亚时代线条版画风格。
  • 一直以来，电影的特效动画都以仿真为主要目的，但该片却反其道而行之。
  • 齐曼的摄制组通过硬质橡胶油漆在真实布景和服装上添加了雕刻式的阴影，演员也被要求以更谨慎的方式表演，从而让所有真实的东西看起来更不真实。
  • 它可以被理解为传统电影时代的“3渲2”或“风格化”处理，而手绘动画、剪切动画、木偶动画、微缩模型和接景画等各种动画技术都被巧妙地合成。

1959：

• 克莱德·吉诺尼米等执导的迪士尼动画长片《睡美人》（Sleeping Beauty）中，
  • 荆棘林场景首次试用了伊沃克斯引入的“静电复印术”（Electrophotography），他改装了一台施乐相机，把动画师的图纸直接转移到赛璐璐上；
    • Carlson C. Electrophotography: US2297691A[P]. 1942-10-06.
  • 最后一部使用手工墨线流程的迪士尼长片
  • 也是首部使用特艺色彩宽屏技术“超级特艺拉马70”（Super Technirama 70）拍摄的动画长片。迪士尼一直坚持为所有动画制作拍摄真人表演参考版，但“九老”之一的米尔特·卡尔提出了反对意见，认为这扼杀创造性。当然，迪士尼最终还是拍摄了真人参考片，这一传统至今仍未改变。《睡美人》的制作成本很高，但票房亏损，这一度影响了迪士尼对其动画长片部门的信心。

• 菲尔·布斯执导的电视动画《加高历险记》（1959-1960）推广了坎布里亚工作室特殊的有限动画技术，极其廉价和快速，大量依赖镜头和静态图像的各种移动，角色几乎没有运动，甚至直接把配音演员的嘴巴插入到静止的角色画面上。
  • 被称为“语音同步”（Syncro-Vox）的光学印刷系统由摄影师吉列（Gillette E）在1952年申请专利。
    • Gillette E. Method and means for producing composite talking pictures: US2739505[P]. 1956-03-27.
  • 尽管坎布里亚工作室的省钱技术在当时引起一些批评，但后来它被当成了一种有趣的形式，经常被喜剧动画使用。

• 哈布雷夫妇执导的《月光鸟》成为首部获得获奥斯卡最佳动画短片奖的独立动画片。
• 这些在视觉上与迪士尼式好动画截然不同，造型夸张、具有现代图形美学和“实验感”的动画，一般被称为“风格化动画”“实验动画”“艺术动画”或“学院派动画”，并催生了一系列与“流水线”动画不一样的、有趣或特别的动画技术，但它们多数难以量产，暂时局限于动画短片领域。

• 钱家骏执导的中国首部彩色动画长片《一幅僮锦》上映，它基本上还是一部典型的传统赛璐璐手绘动画，但背景引入了中国水墨画的构图美学和绘画技巧。

• 有史以来播出剧集最多的德国电视动画连续剧《小睡魔》开始上映，这部已超2万集的木偶动画至今仍在播出，并在20世纪末开始引入数字动画技术。

那些风靡一时的光学动画玩具已经消退，那些窥视秀盒子里精美的动画也基本被人们遗忘了，木偶只是孩子喜欢的玩具，自动偶开始成为博物馆里的摆设，电影几乎成了动画的唯一舞台，在电影院的屏幕上卖力表演。当动画接受了电影的制作、发行和评价体系时，它便进入了电影的框架，尽管这一概念在近年受到质疑，但在20世纪前半叶，动画确实被当作电影的一种，或者说它承载了电影文化的一部分。

20世纪30年代，动画工作室更加关注“流程”“分工”“架构”等问题，越来越多不同的动画“职位”诞生。尽管传统手绘动画本质上也是一种定格动画，但在第一个好莱坞黄金时代，用于真人电影特效的定格动画和传统手绘动画基本上是两个完全独立的行业。

1930:

• 约翰·安德森（John Murray Anderson）和华特·兰茨（Walter Lantz）执导了真人实拍和传统手绘动画结合的电影长片《爵士之王》（King of Jazz），该片采用了特艺色彩技术，并向人们展示了当时的色彩技术更合适制作动画片，因为动画在拍摄和放映时，对胶片的色彩还原度和图像对齐度要求都更低。

• 《胡扯》是伊沃克斯离开迪士尼之后制作的首部动画片，也是现存首部有声、彩色动画短片，使用被称为“哈里斯色彩”的双色色彩技术，但可能只在英国发行了彩色版。

• 弗拉季斯拉夫·斯塔列维奇（Владисла́в Алекса́ндрович Старе́вич/Władysław Starewicz/Ladislas Starevich，1882-1965）的首部定格动画长片《狐狸的故事》（Le Roman de Renard）完成主要制作，但因严重的配乐问题需重新制作，直到1937年才在柏林首映，它也是法国首部动画长片。
  • 斯塔列维奇使用内置可动骨架的木偶模型，逐帧拍摄，耗时多年完成，共动用 75个模型，拍摄 27.3万个动作。
  • 在狐狸奔跑场景中，斯塔列维奇通过同步移动模型与摄影机，并调整布景角度，创造出更复杂的运动模糊轨迹。例如狐狸跃过溪流时，毛发和尾巴的飘动通过逐帧微调实现自然模糊。
  • 首次在动画中实现复杂镜头运动（如推拉、跟拍）和 动态光影效果，为定格动画树立标杆。

• 拉乌尔·沃尔什执导的《大追踪》是首部使用福克斯电影公司开发的“壮丽70”（Grandeur 70）系统的电影长片。它是宽屏电影早期原型，由于当时绝大多数的影院都买不起70毫米胶卷的放映设备，这部电影虽然收获好评却票房惨淡，类似事件后来被称为“技术超跑”。有趣的是，这种无视当下市场环境和硬件基础，大胆推出超前技术产品的事件，在动画技术发展史上还会出现很多次。

1931:

• 曾带来世界上首部动画长片的阿根廷动画先驱克里斯蒂亚尼，又制作了世界上首部有声动画长片《佩卢多波利斯》（Peludópolis），原片和《使徒》一样不幸地因火灾而丢失，仅一段制作特辑幸存至今，让我们有机会一睹克里斯蒂亚尼特殊的动画制作技术，角色原画逐帧手绘在黑色纸板上，然后逐张剪下来，再和背景画放在一起逐帧拍摄，这可能也是《使徒》的制作方式。

• 沃尔德玛·帕茨执导的《祖库历险记》（Kutsu-Juku seiklusi）在塔林首映，成为爱沙尼亚首部动画短片，从幸存片段看是一步无声黑白传统手绘动画。

• 一种十分特别的小型动画投影玩具“辛尼尼克”（Cine NIC）在西班牙面世。它基本上就是一台可交替投影的两头幻灯机，动画序列图是一条上下排列，图案略有不同的胶带，在整条胶卷如长卷画般平移的同时，上下卷轴的交替投影又可让角色呈现出有趣的两帧循环动画。该系列产品持续生产和销售了40多年。

1932:

• 乔治·帕尔（Pal George Julius）制作了一部香烟跳舞的广告动画，开始探索自己的定格替换木偶技术“木偶通”（Puppetoons），不同于以往利用关节骨架直接移动木偶的拍摄方式，帕尔制作了一系列不同动作的替换木偶（或替换部件），表现出更细致的动作和表情变化。
  • 1940年移居美国后为他的替换木偶技术申请了专利
    • Pal G. J. MOTION PICTURE: US2327059A[P]. 1943-08-17.
  • 因在木偶动画方面的技术创新而获1943年奥斯卡荣誉奖。
  • 术语“Puppetoons”后来成为使用该类技术的定格木偶动画的统称，但它经常被笼统地翻译为“木偶片”或“木偶动画”。

• 贝特霍尔德·巴托施执导的实验动画片《想法》上映，使用了剪影动画大师赖尼格设计的多平面相机以表现复杂的多层叠加和景深效果，融合手绘、剪纸、铰链纸板人偶等多种不同的动画技术，并创新性地使用肥皂来模糊背光图像。

• 赫伯特·卡尔姆斯说服了当时正在制作动画短片《花和树》的迪士尼尝试他们新开发的特艺色彩4代，基于3色减法，可提供更高的图像质量和打印速度。他们签订了一份独家合作合同，迪士尼扔掉了已经制作好的部分，重新制作全色电影动画，事实证明迪士尼的选择是对的，《花和树》成为首部商业发行的三色全彩动画片，并赢得了第一个奥斯卡动画短片奖。

• 威廉·克里斯皮内尔和艾伦·冈德芬格开发了基于2色减色的“辛尼色彩”（Cinecolor），可产生鲜艳的红、橙、蓝、棕和肉色，但对其他颜色的表现一般，在冲印时效和价格上都有优势，在1930年代被多部动画片采用。

• 鲁宾·马莫利安执导的《公主艳史》很可能是首部使用变焦镜头的电影，也显著地使用到跟踪镜头、慢动作、快动作等镜头运动技术。

• 美国电影艺术与科学学院制定了所谓“学院比”（奥斯卡比）的35毫米电影胶片格式，比率为（1.375:1），在接下来的20年里，几乎所有35毫米电影胶片都采用了该格式，直到宽屏时代的到来。

1933:

• 大约在制作动画短片《三只小猪》的时候，迪士尼动画开发了他们的“故事板”流程。虽然类似的故事草图在历史中早就出现过，但迪士尼成立了“故事部”，创造了一个新的、有别于动画师的职业“故事板艺术家”，使故事板设计成为动画制作的一个既定流程。在单独的纸上绘制故事场景，然后把它们钉在墙上，再按顺序讲述故事，迪士尼把这一想法归功于动画师韦伯·史密斯，而《三只小猪》制作了迪士尼动画的第一个完整故事板。
  • Finch C. 华特·迪士尼的艺术:从米老鼠到魔法王国[M]. 纽约: 哈里·N·艾布拉姆斯公司，1995: 64.
• 该动画也使用了“摄影表”，虽然尚不清楚是谁发明了它，但它在1940年代已成为传统动画制片厂的标配。
• 《三只小猪》的成功，极大地激励了正处于大萧条时期的好莱坞电影业。

• 弗莱舍为其“立体相机”申请专利，这是一种把二维角色合成在三维场景中的技术，背景图像和微缩模型安装在布景转台上，镜头安装在转台前面的滑道上，赛璐璐胶片支架可置于布景之前或布景之中。该设备可理解为多平面相机的一种变体，在“贝蒂”和“大力水手”等弗莱舍工作室著名动画系列中多次使用。
  • Fleischer M. ART OF' MAKING MOTION PICTURE CARTOONS: US2054414A[P]. 1936-09-15.

• 伊沃克斯用一部相机和一辆旧雪佛兰的零件组装了一台临时的多平面相机，用来制作他的动画。或许伊沃克斯真正的乐趣并不是绘画动画，而是研究各类动画技术的问题，他此后一直致力于此。

• 亚历山大·阿雷克塞耶夫和克莱尔·帕克（Parker Claire）制作了首部“针屏动画”短片《荒山之夜》。帕克在次年为其注册专利，他们的针屏由数十万颗可前后移动的“针阵”组成，灯光从侧面照明，动画师通过改变针阵的凹凸获取画面，然后逐帧拍。针阵的操作不是直接抽插，而是通过灯泡、勺子等圆头型的工具整片按压。
• 由于针屏动画的操作技术极度困难，该类动画至今罕见。
  • Parker C. PARKER APPARATUS FOR PRODUCING IMAGES: US2100148A[P]. 1937-11-23.

• 德国著名动画导演奥斯卡·费钦格 （Oskar Fischinger）制作了彩色抽象实验动画《圆圈》（Kreise ）。

• 梅里安·库珀等执导的《金刚》（King Kong）以开创性的特效闻名，是特效动画发展史上一座伟岸的里程碑。
  • 威利斯·奥布莱恩团队使用复杂的动画偶和定格动画技术，为金刚和众多史前生物赋予让人可信的生命感。
  • 为表现丛林的深度和枝叶的交错感，接景画被画在多层玻璃上。
  • 影片的合成主要使用了两种方法：一是由摄影师林伍德·邓恩（Linwood G. Dunn）发明的“邓恩过程”，把光学打印机改进成一种合成设备，通过逐层打印的方式，把多个胶卷合成在同一条胶卷上；二是此前提及的“威廉姆斯过程”。
  • 此外，特效团队还设计了一种在微缩模型布景中使用背投的方法。

• 福克斯电影公司、弗雷德·杰克曼（Fred Jackman）、华纳兄弟电影公司和雷电华公司的西德尼·桑德斯（Sidney Saunders）因开发了合成摄影中的半透明屏幕获第六届奥斯卡技术成就奖。

1934：

• “海斯法典”开始在美国执行，弗莱舍著名动画角色“贝蒂·波普”的消亡通常被认为是该事件的典型案例，为了继续成为可被接纳的卡通明星，菲力克斯猫失去了牙齿，米奇老鼠变成了如今熟悉的模样。动画低龄化在很大程度上促进了符合流水线生产模式的，所谓“标准化”的动画技术发展。

• 阿瑟·伍兹执导的《广播阅兵1935》是已知首部使用“杜菲色彩”（Dufaycolor）技术的电影长片，它源于路易斯·杜菲1909年发明的一种彩色摄影技术，通过微小色块（点）叠加组合色彩效果。

• 路易吉·克里斯蒂亚尼（Cristiani L）和乔瓦尼·马斯卡里尼（(Mascarini G）发明了一种使用分光镜，直接在一张35毫米胶卷上拍摄4幅不同滤色图像的色彩电影系统。
  • Mascarini G, Cristiani L. A system of color cinematography: ES136883A1[P]. 1935-05-01.

1935：

• 20世纪前期实验动画代表人物雷恩·莱伊制作的《彩色盒子》成为已知首部公开放映的“画在胶片上的动画”，也被称为“直接动画”，或“没有摄影机的动画”。基本上，任何艺术创作方法，绘画、印染、雕刻、打孔、粘贴异物等，都可能用在这种动画上，胶片可以是空白胶卷或已冲洗的黑色胶卷，这类动画基本上都以运动图形为主。莱伊后来把他的运动图形艺术带出了电影屏幕，创造了许多著名的“动态雕塑”。

• 万氏兄弟执导了中国首部有声动画片《骆驼献舞》，据当时《良友》杂志的报道，这是一部黑白手绘动画，虽然美术风格受美国动画影响，但也不乏中国民族元素，配音中包括音效模拟。

• 苏联动画师亚历山大·普图什科执导的《新格列佛》是首部大量使用定格木偶动画技术和真人实拍合成的电影长片，也是后来所谓“除了真人演员以外都是动画”的早期代表。

• 田中喜次执导的《辉夜姬》是日本首部使用了微缩模型、定格动画，和多重曝光等多种特效技术的电影长片，由被称为“日本特摄之神”的圆谷（円谷英二）摄影。他创造了术语“特摄”，并醉心研究相关技术，或者你不认识圆谷，但你肯定听说过“哥斯拉”和“奥特曼”，都是他的得意之作。

• 雅各布·莱文塔尔和约翰·诺林执导的实验电影短片《声视镜》（Audioscopiks），通过立体电影技术拍摄各种涉及“深度变化”的运动，如飞向观众的棒球，荡千秋的人等，直观地向观众讲述人眼视觉的深度感知这个话题。

• 谢苗·伊万诺夫发明了一种立体电影拍摄和放映系统“自动立体镜”（Autostereoscopic）。其立体影院拥有一个14x19英尺的背投屏幕，使用了50公里长的铜丝制作光栅屏障，1940年底在莫斯科落成，并持续放映了18年立体电影，另有4个立体影院在俄罗斯相继落成。伊万诺夫后来转向研究透镜光栅技术。

• 利奥波德·曼尼斯和利奥波德·戈多斯基推出“柯达克罗姆”色彩技术，把3色感光乳剂和滤光层合成在一张胶片上，1次曝光即可获得3个分色图像。柯达买下了这个技术，推出了16和35毫米版本，并于1938年改进了早期版本加工周期复杂和稳定性低的问题。

• 迪士尼和特艺色彩的独家交易合作失效，全彩3色动画很快便成为了行业标准。而随着社会环境的暂时改善和电影色彩技术的进步，电影也开始告别黑白时代。

1936：

• 德国爱克发公司推出“新爱克发色彩”，最初用于制作幻灯片、家庭电影和短片拍摄。1939年推出底片和拷贝胶片，供德国电影业使用。它是柯达克罗姆和特艺色彩的对标产品，同样使用三个不同色敏乳胶组成的三联胶片，但显色过程比柯达的更为简单。后来，虽然色彩胶片技术不断改进，不同品牌和技术的彩色胶片会形成不同的色彩风格，但基本上都只是分层结构和具体化学材料上的变化或改进，直到数码摄影技术出现。

• 因拍摄洪水特效场景导致3人死亡的导演柯蒂兹，在拍摄电影《英烈传》时又因对真实动物的残酷使用而再次卷入舆论漩涡，其主演埃罗尔·弗林联系了美国防止虐待动物协会，由此掀起了美国电影业关于保护动物的改革。1940年代以后，涉及动物的电影场景必须由动物保护协会的代表监督，符合标准的电影片尾字幕将包含“在这部电影的制作过程中，没有动物受到伤害”这不仅符合人们对道德伦理的要求，也促进了相关动画技术的发展。

1937：

• 威廉·加里蒂（William E Garity）在伊沃克斯的基础上开发了一台新型多平面相机，不仅可以模拟包括视差滚动在内的多种镜头运动和景深效果，还提供了新的镜头内特效，如在场景中使用真实的三维模型、实物元素、滤镜、灯光渲染、扭曲变形、反射、流水、闪烁、发光等各种特殊效果。首次使用该设备拍摄的迪士尼动画短片《老磨坊》获得了奥斯卡动画短片奖。
  • Garity W. E. Method of producing animated photoplays: US2281033A[P].1942-04-28.

• 戴维·汉德执导的迪士尼动画长片《白雪公主和七个小矮人》成为世界上首部赛璐璐传统手绘动画长片和首部彩色动画长片，也是所谓“全动画”的经典代表。这部动画的制作花了3年，300多名艺术家和动画师参与制作，巨大的成本一度让该项目被认为是“愚蠢行为”。
  • 该片拍摄了真人表演参考片，部分场景使用了转描技术，也使用了新开发的多平面相机拍摄。
  • 着墨师海伦·奥格因为白雪公主使用一种特别的腮红着色技术而著名，这种技术后来随奥格的离职而消失。
• 在动画制作过程中，迪士尼尝试引入所谓正统艺术课程，培训他们的“野生”动画师，内容从人体解刨和运动，发展到动物解刨、动作分析、表演等，还鼓励员工们去看各种电影，虽然老师和学生都不精通对方的手艺，但双方的热情最终推进了这一项目。迪士尼的每一步努力，都指向其写实主义的动画思维，角色像真人一样流畅运动，镜头像电影一样有立体运动，场景像真实一样有层次和深度，注重动画的戏剧性体验，同步的声音和更真实的色彩，这一切后来成就了所谓的“迪士尼式好动画”，但也为动画套上了电影的框架。

• 大约在这个时候，迪士尼动画引入一种针对逐帧动画摄影的“连续曝光”技术，由此摆脱“特艺色彩”那台巨型的3带摄影机，轻便的色彩电影摄影机采用此前在真人拍摄中实验失败的滤光轮技术，它的缺陷对动画拍摄来说毫无影响。

• 随着《大力水手》的流行，弗莱舍工作室的快速发展积压了一系列问题，最终引发了长达5个月，动画行业（也是电影行业）的第一次大罢工事件，连同该工作室的动画片也被抵制。

• 荻野茂二和大藤信郎制作了一部介绍当时日本彩色赛璐璐动画制作过程和设备材料的纪录片《色彩动画的制作》，为后来的动画史研究者提供了真贵视频资料。

• 刚加入中国电影制片厂的万氏兄弟制作了动画短片《满江红》，使用中国写意水墨画风格作背景，人物角色动画也使用了当时较少见的粗线条绘制，以营造一种“豪迈”感。

图4-30：《满江红》（中国电影制片厂，1937）

1938：

• 越来越多的动画制片厂崛起，它们需要大量补帧、绘线和着色工作人员，这些普通动画师的收入实际上十分低廉，也很容易受到不公正对待，在经历范博伦和弗莱舍工作室的抗议事件之后，“屏幕漫画家协会”在美国洛杉矶成立，代表工人处理和美国主要动画工作室之间的问题。

• 随着电影特效的发展，奥斯卡奖开始颁发“最佳特效奖”，亨利·哈撒韦执导的《北方之子》成为第一个奥斯卡最佳特效获奖者，在1963年之前，该奖项同时包括视觉效果和声音效果两个方面。

1939：

• 维克多·弗莱明执导的《绿野仙踪》用旋转的薄纱布、软管喷洒泥土等方法，制作了早期的龙卷风特效，尽管如今看来有点简陋。特殊化妆造成了一位演员的嘴巴周边留下了永久的皱纹。
• 各种传统特效技术对演员带来的危险和伤害仍不断发生，而可解决这些问题的新一代动画技术，正在科学实验室里孕育。

• 加拿大国家电影委员会（NFB）成立，是第一所由国家政府设立的影视机构，负责制作和发行纪录片、动画、网络纪录片和另类电视剧。它鼓励自由探索各种“非常规”的动画类型和技术创新，也成为一些非主流动画的保育者。其最初出发点是避免与美国动画行业直接竞争，但后来也制作常规动画。

• 1930年代后期，沃尔特·兰茨制作、华纳兄弟卡通等很多主要的动画制片厂都已引入“故事板”流程。
• 1940年代，故事板在真人电影制作中也流行起来，最终成为各类动画、电影、戏剧、动画广告等动态视觉艺术制作的标准流程之一。
• 故事板设计是一个多步骤的过程，可随项目变化而更改，甚至长期处于一个活动文件状态。其格式至今也没有什么统一规范，每个工作室可以有自己的习惯。常见的故事板都是手绘的，但事实上它对制作技术没有限制，后来还逐渐发展出 “动态分镜”、“布局”（LAYOUT）、“三维布局”和“预视觉”（PV）等进一步细分流程。

1940年代，美国动画制作进入“工厂”时代，大批廉价密集劳动力负责清稿、补帧、描线、着色等工作，不同等级的动画制作人员收入差距很大。

1940：

• 大型机械动画设备陆续面世，一款改装的大型多平面相机被用于拍摄本·夏普斯汀等执导的迪士尼动画长片《匹诺曹》（1940），技术人员在地面上铺设轨道，以允许更大面积的素材移动，及一些更复杂的镜头运动。
• 动画片制作期间，乔·格兰特成立了一个模型部门，负责制作动画的三维粘土模型，以便艺术家从不同角度观察角色的造型。随后动画师索性直接采用定格动画方式拍摄了马车模型，使用早期版本的施乐相机把照片转移到赛璐璐上再转描绘制。
• 虽依然会拍摄真人参考片，但动画师也通过研究人体运动，进行自己的原画创作。
• 在约书亚·迈多的带领下，《匹诺曹》开始关注角色以外的动画表演，包括车辆、机械、自然效果，魔法等。该片涉及大量的水体特效动画，其风格化绘画和基于物理结合的方式，成为后来很多传统手绘动画的样板。特效动画师桑迪·斯特罗瑟记录了他长达一年的水动画研究，水花、涟漪、气泡、波浪和水下的幻觉。
• 该片通过添加前景和投影，更细致地表现场景的深度，使角色看起来就在海里，而不是在“表面”。
• 受到战争和经济影响，《匹诺曹》最初的票房极差，但在战后的几次重新上映中收获颇丰。

• 迪士尼动画还推出了一部由多位导演执导的动画长片《幻想曲》，是首部多声道立体声商业动画长片，这意味着影院需要更新相应设备。1000多名艺术家和技术人员参与制作，加入了总体色彩指定流程，三维粘土模型、7层的多平面摄影机，以及迪士尼很少涉及的“非主流”动画风格。有趣的是，面对显而易见的高成本和低收益风险，迪士尼坚持投入大量资源制作这一个特别的动画长片，其商业结果显而易见。

• 伊沃克斯回到了迪士尼动画，并获得了一份自在的工作，致力于开发特殊视觉效果。他改进了遮罩技术，把手绘动画和真人拍摄动作更好地组合在一起，赢得了1959年的奥斯卡奖。虽然他和迪士尼的关系再也不像以前那么亲密了，但迪士尼很高兴伊沃克斯回来了。
  • Williams P., Denney J. 如何像沃尔特一样:捕捉你生活中每一天的迪士尼魔力[M]. 迪尔菲尔德海滩, 美国: 健康传播公司, 2004: 133.

• 福瑞兹·弗里伦执导的华纳兄弟动画短片《你应该在电影里》展示了传统手绘动画与真人实拍电影的逼真结合，先拍摄真人部分，再转描绘制卡通部分，两者最终在屏幕中自然地互动。

• 迈克尔·鲍威尔等执导的电影长片《月宫宝盒》首次使用了由劳伦斯·巴特勒和杰克·惠特尼创造的一种“蓝屏抠像”技术，制作精灵从瓶子里逃出来的场景，但角色皮肤受蓝色干扰明显。

1941：

• 万氏兄弟带来了亚洲首部动画长片《铁扇公主》，这部有声黑白动画的制作历时3年，涉及上百名工作人员，也只中国动画制作行业对“标准化”和“流程化”的早期探索，参考片、立体模型辅助均被引入。角色动画虽然在基于手绘的夸张变形和基于转描的真实感中徘徊，但运动十分流畅。
• 据说首映当日，万氏兄弟曾在放映机镜头前使用三色玻璃交替晃动，模拟色彩效果（孙立军，2018）。
  • 孙立军. 中国动画史[M]. 北京: 商务印书馆, 2018: 38.
• 该片迅速被“出口”到日本，据传它激励了当时还是少年的手冢治虫走上动画之路，在国内反因日本的侵略战争而未有机会广泛传播。

• 濑尾光世执导的《蚂蚁阿里辰》是日本首部使用多平面相机拍摄的动画短片，相传由持永只仁设计。他后来加入了中国东北电影制片厂（先化名池勇、后化名方明），不仅成为中日两国的木偶动画先驱，也为中日动画和中日友谊作出了贡献。

• 为弥补此前《匹诺曹》和《幻想曲》所带来的经济压力，迪士尼对动画长片《小飞象》的成本进行严格控制，角色和背景的设定比之前的简单，大量聘请年轻的、资历浅的动画师，最终成本只有95万美元，不到《匹诺曹》的三分之一。
• 而近年来迪士尼被认为“傲慢”的管理模式所累积的敌意也到达了临界点，在《小飞象》的制作过程中，一场持续近2个月的员工大罢工事件开启，很多员工被辞退或离开，甚至包括一些优秀的资深动画师。
• 有趣的是，罢工和制作的“节约”并没有对《小飞象》的票房造成影响，它有一个十分合适当时社会环境的好剧本，甚至为迪士尼创造了二战期间的票房奇迹。在接下来的几十年里，迪士尼成为唯一一家定期制作动画长片的美国制片厂。

• 弗莱舍工作室推出他们最后一部动画长片《虫先生进城记》，上映两天后便发生了珍珠港事件，美国正式向日本宣战，这直接导致了其票房灾难。派拉蒙著名工作室于次年接管了弗莱舍工作室。

• 第二次世界大战推广了动画的宣传和教育功能，美国陆军与迪士尼动画等美国主要动画工作室“合作”，制作了一系列宣传战争债券、捐赠废金属、鼓励纳税，农产保障等主题的“宣传动画”，以及用于军事培训和教学的教育动画。它们的发展催生了动画的另外一种形式，后来被称为“信息说明动画”。

• 纳特·福尔克（Falk N）出版了一本介绍动画历史和技术的书籍《怎样制作动画的卡通》，汇集了当时美国几个主要动画工作室的信息，详细地介绍了他们的动画制作。
  • Falk N. 怎样制作动画的卡通[M]. 纽约: 基础书籍出版社, 1941.

1942：

26国代表在华盛顿签署《联合国家宣言》，世界反法西斯联盟正式成立，在接下来的几年里，电影动画技术的发展也相对安静，但另一种动画技术却在战火中萌芽，这便是人类文明的复杂性，我们将在下一章讨论。

• 查尔斯·琼斯执导的《多佛男孩》成为首部大量使用“有限动画”技术的动画片，角色要么静止不动，要么速度很快以至于可使用模糊的方法涂抹。该技术基于动画制作中一直存在的人力成本压力问题，有限动画致力于通过限制“非必要”的运动，尽可能降低绘画的工作量。虽然当时的雇主和发行商并不看好这样的“取巧”，但有限动画技术将在50年代电视动画兴起之后攻占动画制作行业。

1943：

• 政冈宪三执导的《蜘蛛与郁金香》是日本首部完全使用赛璐璐制作的动画短片，由于赛璐璐胶片当时十分昂贵，动画师通过反复清洗赛璐璐胶片以循环利用。虽然是黑白动画，但为了更好地表现颜色灰度，赛璐璐胶片上绘制的是彩色画面。而日本动画似乎与“节省”结下了不解之缘，并在此基础上开发出一系列独特的动画技法，继而发展出更合适日本的生产模式，最终使日本动画产业在80年代拥有与美国动画产业竞争的力量。

1944：

反法西斯联盟在世界各地奋力战斗，如果非得在今年挑选一件动画技术大事的话，那可能就是未来卢卡斯影业的创始人——乔治·卢卡斯诞生了，他将在动画技术史上建立多个重要的里程牌。

1945：

• 显然致力于挑战迪士尼式好动画规则的美国联合制作[1]，推出了一部扁平风格化的动画片《四海皆兄弟》，由鲍勃·康农执导。该公司鼓励新技术的探索，开创了所谓“有限动画技术的艺术应用”，把有限动画作为一种风格，而非成本节约。这一努力成功引起了关注，包括迪士尼在内的老牌动画制片厂也陆续探索实验动画领域。但随着电视产业的发展，有限动画仍会成为廉价动画制作公司的省钱技术。
  • [1] 最初由从迪士尼罢工事件中分离出来的一些动画师于1941年成立，原名“工业电影和海报服务”，1945年更名“美国联合制作”。

• 艾伦·克里克和约翰·哈拉斯执导的《操纵船只》是应英国海军部要求制作的教育动画，它是英国首部动画长片，以及欧洲首部彩色动画长片，但由于没有在剧院公开上映，因此经常被忽略，主要使用定格动画技术，也结合了一些传统手绘动画技术。

• 阿图罗·莫雷诺执导的西班牙首部动画长片《魔法剑》上映，尽管比《操纵船只》迟，但它通常被介绍为首部在美国以外制作的彩色动画长片，使用杜菲色彩技术。

• 濑尾光世执导了日本首部动画长片《桃太郎海的神兵》，是一部黑白传统手绘动画。

• 弗朗索瓦·萨沃耶发明了一种带有旋转光栅的立体投影系统“旋转立体镜”（Cyclostéréoscope），于1945-1946年在巴黎卢纳公园向观众展示。1953年，一个改进版在巴黎克里希宫展出。但由于成本和可观看区域等限制，它在经济上并不成功。

1946：

• 东北电影制片厂在黑龙江成立，成为新中国第一代动画和电影制作人才的培养基地。

• 斯文·梅斯林执导的丹麦首部动画长片《打火匣》上映，也是丹麦首部彩色动画片，使用传统手绘动画技术。

1947：

• 贝尔电话系统的广告片《想象一下》中，包含一个由433个零件“组装”成一部电话的片段，主要使用定格动画技术制作，零件在运动过程中有显然的拟生意识，另有一位真人演员和一位以传统手绘动画方式制作的二维卡通角色协助叙事。这类以微小零件为动画材料的定格动画制作十分复杂，后来被称为“零件动画”，多用于产品广告、科学模拟或结构演示。

• 东北电影制片厂推出中国首部木偶动画《皇帝梦》，由陈波儿执导，以中国木偶戏为美学基础，由中国东北电影制片厂的卡通组制作，当时没有制作木偶动画的可取经验，动画师们只能通过多次尝试逐渐摸索出自己的定格木偶技术。

• 伊里·特恩卡执导的捷克斯洛伐克首部动画长片《捷克的四季》上映。特恩卡因此一跃成为木偶动画届的明星，他喜欢保留木偶本身的“非人类”特质，因此很少会有表情变化或说话，而是通过动作、布景、灯光、特效、镜头和音乐等其他技术增强叙事，其动画作品影响了很多动画师。但很少人知道，他在制作传统动画和皮影动画方面同样出色。

• 克劳德·米松内执导的比利时首部动画长片《金钳螃蟹》上映，也是一部黑白定格木偶动画，当时只在影院放映了两场。

• 约翰·奥克斯贝里在美国推出其首款商业赛璐璐动画摄影台“奥克斯贝里”（Oxberry），成为电影动画时代主要的动画拍摄、胶片扫描仪和录像机制造商，后也开发数字和胶片转换设备和光学打印机。

• 匈牙利裔物理学家丹尼斯·加博尔发明了最初的“全息图”技术，但当时只有水银蒸汽，激光直到1960年才被发明出来，它暂时还未能应用在动画摄影或投影上。

1948：

• 米高梅电影公司的奥林·杜皮（Dupy Olin La Verne）开发了一种早期的基于机械的“运动控制”技术，被称为“杜皮复制器”（Dupy duplicator），摄像机的运动被记录在留声机唱片上，通过回放重复运动。查尔斯·沃尔特斯执导的《花开蝶满枝》是首部使用该技术的电影长片，用于模拟从前景人群到接景画的镜头衔接，杜皮等在次年申请了相关的专利。
  • Dupy O., Duval R. Apparatus for duplicating motionpicture shots: US2687668A[P]. 1954-08-31.
• 派拉蒙的高登·詹宁斯（Jennings H）等也发明了一种在胶片上记录相机运动的设备，一旦运动轨迹被记录下来便可自动重复，在次年上映的，戴米尔执导的电影长片《参孙和达莉拉》中将真人表演和微缩模型结合在一起。
  • Jr Gilbert L. Jennings H. Control of camera-subject motion in motion-picture photography: US2648252A [P]. 1953-08-11.
• 这些早期的基于机械的运动控制技术，后来逐渐发展成基于计算机的运动控制技术，不仅带来更复杂和多样的镜头运动效果，也被用于控制其它布景、道具、动画偶，甚至真人的运动，成为数字动画技术中的一位重要成员。

• 费穆执导了中国第一部彩色电影《生死恨》，使用16毫米彩色胶卷拍摄，由于摄制冲洗时缺乏经验和专业设备，加上当时过国内没有彩色胶卷的放大和拷贝技术，母片需寄往美国转录成35毫米版本才能在电影院放映，多个因素导致该片最终的色彩和声音效果都不如预期。

• 方明执导的传统手绘动画短片《瓮中捉鳖》通常被介绍为新中国的第一部动画片，这是由于当时对术语“动画片”和“木偶片”的界定所致。就像早期电影特效中的定格动画和传统手绘动画被视为两个行业一样。

1949：

• 欧内斯特·舍德萨克执导的电影长片《巨猿乔扬》上映，大猩猩的特效动画由雷·哈里豪森、彼得·彼得森和马塞尔·德尔加多负责，威利斯·奥布莱恩担任特效监制。大猩猩的定格动画比1933年的《金刚》具有更丰富的动作和表情细节，甚至带有喜剧效果，使用了6-7个不同尺寸和内部结构的大猩猩定格动画偶。哈里豪森将成为20世纪后期重要的定格特效动画大师。

• “我知道这违反了万有引力的定律，但是，你看，我从来没有学过定律。”
• 这是宾尼兔在弗里伦执导的动画短片《高空跳水》中一个木板被悬空，却没有掉落的场景中的表白。卡通动画在对真实物理学的遵循与反叛之间来回选择，是其主要魅力之一，后来被称为“动画物理学”。

• 帕戈特兄弟执导的意大利首部动画长片《炸药兄弟》（The Dynamite Brothers）上映，也是意大利首部彩色电影，使用传统手绘动画技术。

20世纪前叶，
动画找到了有史以来最适合自己的舞台，
但动画也因此被当成了电影的子集，
并在整个20世纪几乎无人质疑。

从真人电影与动画片段的相互剪接，到后来在同一画面直接合成，从特效摄影，到直接使用动画技术的特效动画，所谓“纯动画”和“真人电影”的结合，在20世纪前期便实现了。

1910年代，动画片从个人艺术家创作逐渐转向制片厂流水线生产，一系列新的、可适应批量生产的动画技术诞生，动画制作开始走向所谓的“标准化”，类似的流程、工具、要求等，在提高效率的同时，也在一定程度上减弱了动画的艺术个性。传统动画片开始被称为“卡通片”，意味着一种新的动画类型诞生，但它有时候被误会为动画的别称。

1910：

• 电影先驱保罗退出了电影制作事业，继续生产电影设备和其他科学仪器。

• 1910-1912年间，意大利作家布鲁诺·科拉和画家阿尔纳多·金纳制作了一些直接在透明胶片上绘画的抽象动画片，据说是对门德尔松交响乐和先锋派抽象作品的表达，可惜胶卷在二战中丢失。

• 波兰-俄罗斯定格动画先驱弗拉季斯拉夫·斯塔列维奇（Владисла́в Алекса́ндрович Старе́вич/Władysław Starewicz/Ladislas Starevich，1882-1965）开始使用昆虫拍摄定格木偶动画。
  • 他最初是想拍摄昆虫电影，但发现小昆虫无法在聚光灯下“表演”，继而萌生了使用死昆虫制作动画的念头。这些“演员”都被制作成木偶，手脚替换成可动的金属线，并穿上一些衣物。
  • 早期的动画都不幸遗失，现存最早的案例是《美丽的洛伊卡尼达》（The Beautiful Leukanida，IMDb显示为1912，filmaffinity.标注为1910）。
  • 由于早前作品丢失，他可能在1912或更早便开始使用了一些早期的“运动模糊”技术，如在曝光期间稍微移动模型、桌子或布景。
    • 现存早期案例：
    • 《摄影师的复仇》（Mest Kinematograficheskogo Operatora，1912）由于早期胶片损毁严重，现存版本（约12分钟）中运动模糊效果已部分模糊。
    • 《圣诞前夜》（Noch pered Rozhdestvom ，1913）为真人实拍+定格动画，现存原片也很模糊，但其中小恶魔飞行片段有较明显可辨认的运动模糊处理。

1911：

• 伊士曼柯达修改了对爱迪生信托公司的独家合同，向独立公司出售胶片，让更多人有机会制作电影和动画片。

• 美国漫画家、动画先驱温瑟·麦凯的首部动画《小尼莫》上映，使用真人实拍+手绘动画技术。
• 该动画使用了后来被称为解构重组的动画技法表现角色的出场，挤压拉伸被用于复杂的角色变形，动画循环被用于增强叙事而非偷懒，准确的立体旋转动画仿佛使用了数字三维动画技术，而简单的对位标记开始被使用。影片最开始是黑白的，后来因为观众积极的反响，麦凯把手绘动画部分逐帧手工上色。
• 影片的真人实拍部分中展示了一台的妙透镜动作查看器，这种以手翻书方式检查动画动作的习惯，在此后几十年的手绘动画制作中一直被沿用。
• 有趣的是，麦凯自称是世界上首位制作卡通动画片的人，但他不可能不知道布莱克顿此前的动画片，因为《小尼莫》就是由布莱克顿监制的，那么他的说辞显然就是认为布莱克顿此前制作的动画片，不能被称为卡通动画片。

• 朱利叶斯·平舍尔开始制作广告动画，次年在德国成立他的首家电影制片公司，成为首批广告动画制作公司之一，早期作品以文字动画和产品图像移动组成，并逐渐发展成艺术家的创意实验室。很难考究谁发明了这种图文并茂的广告动画，但其后续发展不仅加速了动画和电影之间的边界模糊，也有力地协助动画扩充其“拟生”的对象，从具象生物的拟生，到具象产品的拟生，甚至文字符号等抽象内容的拟生，广告动画在整个20世纪不断为动画技术进入全媒体添砖加瓦，但它们的贡献经常被遗忘。

• 鲁道夫·费舍尔和汉斯·西格里斯特发现了显色剂，给彩色摄影带来了新的方向。

• 威廉·弗里斯-格林和科林·贝内特开始使用他们的“生物色彩”（Biocolour）技术制作电影，在原理上与肯尼马色彩有相似之处，但其方法是直接把正片交替地染色，从而无需使用旋转滤镜。
  • Bennett C. 运动摄影的色彩和设备改进: 英国专利10150[P]. 1913-2-6.

1912：

• 心理学家马克斯·韦特海默（Wertheimer M）提出了“似动现象”和由此造成的“似动效应”，指出人类的运动知觉可以因幻觉而产生运动的假象，认为能从静态图“看”到运动的原因，不仅是生理上的视觉暂留现象，还有赖于人类大脑基于经验组织“完形”的心理行为。
• 该理论更好地解释了为何人类即使在每秒8帧或更低帧速率下仍可“看到”运动，甚至会把某些静态图像看成运动图像。
  • Wertheimer M. 视觉运动的实验研究[J]. 心理学杂志. 1912, 61 (1): 161–265.

• 贝尔豪公司推出被称为有史以来最精确电影机“Bell & Howell 2709”，定位销大幅提高了图像的稳定性，它也是首款全金属的专业级商用电影摄影机，配备四镜转头，机架上方的监视窗可以实现精确取景和对焦，虽然售价很高，但大受好莱坞专业电影制片厂的欢迎。

• 德国教育家路德维希·明希带来了已知最早的“科学教育动画”《数学诡计电影》，25部为教学而设计制作的数学可视化动画在慕尼黑的大会和会议上放映，这要求动画的图形能以数学上准确的方式呈现和运动。把动画片用于科学教育目的在当时并不被看好，因为它对传统动画技术来说过于复杂，但其后续发展将协助动画将其拟生对象从具体生物拓展至抽象事物，也吸引了更多来自天文、物理、数学等背景的科学家加入动画事业，为动画技术的下一次蜕变打下基础。

• 桑顿执导的《怪物岛》是已知首部使用色彩电影摄影技术的定格木偶动画片，但原片已遗失。根据文字资料该片当时采用的是肯尼马色彩技术。

• 阿图罗·埃尔南德斯-梅希亚(Hernandez-Mejia A)开发了第一个可实际应用的，基于双色减法，使用分光镜和双涂层胶片的色彩“色彩图形”（Cinecolorgraph）技术。
  • Hernandez-Mejia A. 彩色照片透明胶片的制作过程: US1174144[P]. 1916-03-07.

1913：

• 美国动画师约翰·布雷制作了他首部真人实拍+手绘动画短片《艺术家的梦》，该片首次使用了一种被称为“印刷背景”的技术，以减少手绘工作。

• 印度电影之父达达萨赫布·法尔克在电影《豌豆的生长》中引入了延时摄影的概念，每天拍摄一帧，然后以普通帧速率放映，从而“折叠时间”。

• 伦敦国际电影展览会上展出了第一个基于双色加法的“科尔辛”（Colcin）色彩系统。
  • Coe B. 电影摄影的历史[M]. 韦斯特菲尔德, 美国.: 东景出版社, 1981：120.
• 威廉·凯利和查尔斯·罗利发明了“普利兹玛色彩1”（Prizma I），并改良成一种双背系统，成为后来颜色处理的前身。已知首部使用该技术的电影是乔治·多尔西执导的《我们的海军》（1918）。
• 弗莱斯-格林和厄本开始了关于肯尼马色彩专利长达3年的官司，最后厄本失去了独家专利，而弗莱斯-格林父子在原基础上开发了“弗莱斯-格林天然色彩法”。

1914：

• 意大利著名导演乔瓦尼·帕斯特洛纳执导的《卡比利亚》成为已知首部使用“轨道推拉镜头”（Dolly Shot）的电影长片，定格动画先驱乔蒙是该片的摄影与特效总监。

• 麦凯制作了《恐龙格蒂》，作为其杂耍表演的一部分上映，它是已知首部使用“关键帧”“中间帧”“定位标记”、真人角色与动画角色“交互”、有详细手绘背景的动画短片。在表演中麦凯直接与格蒂“对话”，格蒂会有选择性地执行一些命令，最后麦凯会走下舞台，以动画角色的形象“走进”屏幕，和格蒂一起出现在画面中。后来的电影版采用真人拍摄+动画的形式，以字幕代替麦凯的互动部分。
  • 恐龙格蒂的动作表现自然细腻，甚至包括呼吸动作，这一点至今仍被不少动画忽略。
  • 为方便对位，麦凯使用了类似于宣纸的透写纸绘画动画，在图纸的4角绘画了十字形的“定位标记”。
  • 麦凯把自己发明的关键帧系统称为“划分系统”，他为每一个整体动作绘画一张包含运动曲线、关键位置和动作的总体指南，用来对整个动画序列进行布局和计时，并放在底部为每一张序列图提供参考。麦凯的办法是先绘画序列的第一帧和结束帧，然后是中间分割帧，再然后是不断的补充中间帧，麦凯使用的是等距补帧，没提及动作的变速问题。
  • 在格蒂站起来的时候，麦凯加入了一只飞龙吸引观众的注意，以避免观众留意到格蒂的动作问题，这种转移关注的方法后来也经常被动画师使用。
  • 麦凯干净的线条、高对比度、现实主义、注重节奏和重力的动画风格，后来都成为了美式动画的特色。
• 《恐龙格蒂》的声誉之高，一方面是其精致的动画表现，另一方面也因其动画技术的开创性和无私奉献。他不仅大方地公开了自己的技术，而且没有为它们申请相关专利，但他对动画行业的友善却引来一位投机者，布雷申请了一些麦凯发明的技术专利，甚至尝试起诉另一位动画师，但麦凯可能提起了反诉，并从布雷哪里获得了版税。
  • Crafton D. 米奇之前: 1898-1928的动画电影[M]. 芝加哥: 芝加哥大学出版社, 1993: 376.
• 麦凯至少在1919年，在明尼阿波利斯一所学校的卡通课堂上教授过动画课程，当年的一份教材近年被重新发现，对了解这位伟大的动画先驱，以及1910年代的传统动画技术有重要意义。

• 拉乌尔·巴雷和威廉·诺兰创立了世界上第一个动画工作室“巴雷-诺兰工作室”，开发了一系列创新的动画生产技术：
  • 包括“定位钉系统”用于固定动画图纸，该技术在整个传统动画制作时期一直被使用，但不同工作室可能会使用不同的定位钉设计；
  • 一种节省重复绘制的“切口系统”（Slash System），把上一帧需要变化的部分切下来，保留无需变动的部分，但与定位钉系统相驳；
  • 发现了通过平移背景图像，让原地行走的角色看起来在前进的动画技巧。
  • 他们亦致力于动画质量的提高，将部分利润投资于动画师的艺术课程。
  • 但巴雷在1919年退出了动画业，有传言说他感到了厌倦。

• 布雷创立了“布雷工作室”，并尝试引入工厂模式，开发了一种早期的“流水线”动画制作系统，为随后几十年大型动画制片厂垫下了基础模型。
  • 如前文所述，布雷致力于申请各种动画技术专利，其中最著名的是其雇员伊尔·赫德开发的“赛璐璐动画”技术专利[2]，角色和前景分别绘制在不同的透明胶片上，底层背景画在纸上，这种“分层系统”极大地降低了动画背景绘制的工作量。赫德执导的《博比·邦普斯》（1915-1925）是第一个使用赛璐璐动画技术制作的动画系列。在1932年之前，赫德和布雷可从所有使用该工艺的动画制片厂获得许可费。
    • Hurd E. PROCESS OF AND APPARATUS FOR PRODUCING MOVING PICTURES: US1143542[P]. 1915-6-15.
  • 他们还制作过一种脚踏式的赛璐璐胶片定位孔打孔机，取名“布雷打孔机”（Bray Punch），可同时为多张胶片打孔并收集废料。而一张来自曼哈顿百老汇1600号弗莱舍兄弟工作室的老照片（约1910-1920年代）中也出现了类似设备，尚不清楚是谁发明了它。

不管对布雷的个人评价如何，赛璐璐动画技术彻底改变了动画产业，这句话几乎被写进每一本动画历史书。

1915：

• 弗莱舍兄弟为他们的“转描镜”申请专利，动画师通过投影仪和透光台画架，可以转描真人实拍的序列图像，从而改进动画角色的动作表现，该技术在弗莱舍的著名动画系列《走出墨水》（1918-1927）中多次使用。这也可被理解为一种早期的运动捕捉技术。由于卡通角色的造型和比例多数与真人演员有差异，转描镜通常只是用来参考动作的节奏和位置，后来也被用于转描立体场景的镜头运动效果。转描镜最初是弗莱舍专有的，1934年专利到期后其他人可自由使用，数字动画技术也继承了这一功能，并在此基础上开发出自动化程序和其他衍生技术，转描技术至今依然经常被使用。
  • Fleischer M. METHOD OF PRODUCING MOVING PICTURE CARTOONS: US1242674[P]. 1917-10-9.

• 定格动画先驱威利斯·奥布莱恩制作了他的首部有关恐龙的定格动画短片《恐龙与缺失的一环：史前悲剧》，在接下来的几十年里，他将为多部电影制作恐龙、大猩猩、史前生物等特效动画，成为20世纪前期最著名的定格特效动画大师之一。

• 美国动画先驱保罗·特里（Paul H. Terry，1887-1971）创立动画工作室“Terrytoons”，成为美国早期动画产业的核心人物，制作了 1,300多部动画短片，被《纽约时报》称为“美国动画工业化的奠基人”。

• 法尔克执导的《火柴棍游戏》成为印度首部动画片，使用定格动画技术拍摄。
• 西班牙首部动画片《伦敦阿帕奇》和墨西哥首部动画片《米苏诺》上映，但原片都已遗失。

• 约翰·卡普斯塔夫发明了第一代柯达彩色胶卷“柯达克罗姆”，基于两色减法，伊士曼柯达公司制作的《关于1000美元》（1916）是其首部电影。

1916：

• 美国报业大亨威廉·赫斯特创立了“国际电影服务工作室”。他挖走了巴雷工作室的大部分动画师，推出了《疯子猫》等一系列几乎没有运动的漫画改编动画短片，成为“有限动画”的早期案例，引入了漫画的气泡对话框，使角色对白与画面更好地融合。
• 而布雷工作室也和派拉蒙签订合同，制作多部来自流行报纸漫画的动画系列。

• 巴雷工作室的动画师狄克·灰默开发了传统动画行业后来一直沿用的“中间帧系统”，即由导演或角色导演负责绘画关键帧，再由普通动画师补充中间帧。该流程极大地节约了成本，并创造了一个被称为“中间人”的新职位，但也让动画片制作进一步靠近工业产品生产的标准化流水线模式。
  • Williams R. 动画师的生存工具包第二版[M]. 伦敦: 费伯出版社, 2002: 48.

• 《美国科学》杂志刊登了一幅动画拍摄场景的插图，动画摄影师佩戴着遮光镜，以避免受到线拍仪强光的伤害，而一些早期的动画先驱正因未注意该问题而造成眼睛损伤。

• 由于基于分光镜的色彩胶卷技术仍十分昂贵且有待改进，阿尔文·威考夫（Wyckoff A.）和麦克斯·汉斯切格尔（Handschiegl M.）发明了一种类似于模板印刷的彩色电影技术“汉斯切格尔/威考夫过程”，但颜料覆盖的是需要打印的部分，然后反相，该技术的特别之处是允许不同颜色之间产生微妙融合，使用专门设计的机器印刷，一部电影通常使用3种颜色。塞西尔·戴米尔执导的《圣女贞德》（JOAN THE WOMAN）是其首部电影。
  • Wyckoff A, Handschiegl M. ART OF COLORING CINEMATOGRAPHIC FILMS.: US1303836[P]. 1919-05-13.
  • Wyckoff A, Handschiegl M. MACHINE FOR AND ART 0F COLORING CINEMATOGRAPHIC FILMS.: US1303837[P]. 1919-05-13.

• 赫伯特·卡尔姆斯等发明了“特艺色彩”（Technicolor），是肯尼马色彩的改进版，基于两色加法，拍摄时由分光镜与滤光片结合，同时曝光红、绿滤色底片，避免图像因曝光时差而出现重影，但在投影过程中依然要对齐两张照片。雷·菲西奧克执导的《鸿沟之间》（1917）是其首部电影。
  • Comstock D. Auxiliary registering device for simultaneous projection of two or more pictures.: US1208490A [P]. 1916-12-12.

1917：

• 阿根廷动画先驱基里诺·克里斯蒂亚尼带来了鲜为人知的世界上首部动画长片《使徒》，使用剪切动画技术制作，片长70分钟，但它当时只在阿根廷小范围上映，且存档胶卷在1926年的一场大火中被烧毁，仅一些设计图幸存。

• 下川凹天的《凸坊新画帖芋助猪狩之卷》，北山清太郎的《猿蟹合战》和幸内纯一的《塙凹内名刀之巻》相继上映。尽管目前对于日本首部动画片仍有争议，但这三位通常被介绍为日本动画之父。
  • 随着日本动画史研究的持续发展，截止2022年已追溯到1917年日本动画先驱们制作了近20部动画短片。此外还有前文提及的印刷动画残卷的发现。
• 由于赛璐璐胶片在日本是一种珍贵的材料，下川最初用粉笔和黑板绘制动画序列，后使用打印背景，把要绘画动画的部分涂白，直接在上面绘画，他可能是自己发明了这一方法。
• 下川不久后便由于摄影时使用的灯泡光线引起眼疾，成为日本第一位因工伤退役的动画师。这几位日本动画先驱的作品在1923年关东大地震中损毁严重，现存资料很少。

• 漫画家阿尔瓦罗·马林斯创作了巴西首部动画短片《凯撒》，在接下来的10年里，马林斯成为巴西主要的动画师，专注于广告业务。
  • Bendazzi G. 动画:一部世界历史: 第1卷-黄金时代[M]. 博卡拉顿: 劳特利奇, 2016: 85.

1918：

• 麦凯的《卢西塔尼亚号的沉没》通常被介绍为世界上首部动画纪录片，描述1915年被德国鱼雷击沉的卢西塔尼亚号悲剧事件。麦凯使用的赛璐璐胶片比后来行业标准更厚，而且带有磨砂表面，可以容纳铅笔、水彩、蜡笔、墨水等更丰富的艺术笔触。但大量的绘画导致胶片弯曲，麦凯的邻居，约翰·菲茨西蒙斯使用改进的活页夹解决了这一问题。该动画时长12分钟，由麦凯自己出资，使用业余时间制作，尽管它后来获得了很多动画学者的好评，但当时的票房并不成功，这对麦凯后续的动画事业造成压力。所谓的动画纪录片，当然是具有历史和文化意义的，但显然不能依靠大众娱乐市场支撑。此外，从麦凯的一些报道和行动中都不难看出，麦凯把动画视作一种纯粹的艺术，抵触动画的产业化，他没有经营意识，也未遇到优秀的商业伙伴，这一切都预告了他将黯然退场。麦凯后来还制作了几部动画片，但没有全部公开上映，如今也仅有部分片段幸存。

• 约翰·麦克罗里（McCrory J）撰写的《如何绘画电影，或卡通动画过程》出版，成为已知第一本专门介绍传统动画制作技术的书籍。
  • McCrory J. 如何绘画电影, 或卡通动画的过程[M]. 堪萨斯城: 特色出版局, 1918.
• 荷马·克洛伊（Croy H）撰写的《如何制作运动图像》介绍了当时电影制作、特效拍摄和一些传统动画的制作技术。
  • Croy H. 如何制作运动图像[M]. 纽约: 哈珀, 1918.

• 《电影世界》刊登了贝格利制作的、可能是最早的 “光学打印机”，用于把标准尺寸电影胶片打印到较小的胶片上。光学打印机可理解成一种瞄准相机镜头的投影仪，最初开发用于制作电影拷贝以供分发，后成为电影特效动画的重要合成设备。
  • Gregory C. 运动图片摄影[J]. 电影世界, 1918年1-3月合辑: 1660.

1919：

• 剪影动画大师洛特·赖尼格制作了她的首部剪影动画《爱情饰品》。她有可能在1917-1918年间已经制作过剪影动画，但相关电影没有图像资料幸存。

• 诺林和威廉·罗斯执导的黑白传统手绘动画《醒来的那个人》（The Man Who Woke Up）上映，成为加拿大现存最古老的动画短片。

• 德国发明家约瑟夫·恩格尔（Josef Engel）等发明了有声电影系统“三-尔刚”（Tri-Ergon），后来成为20世纪欧洲主要的有声电影系统之一。
• 美国发明家李·福里斯特（Forest Lee De）开始为他的有声电影技术申请专利，并在凯斯实验室的帮助下发展成后来的光学有声电影系统“风诺电影”（Phonofilm），把声波同步记录在电影胶片上。
  • Forest L.MEANS FOR RECORDING AND REPRODUCING SOUND: US1446246[P]. 1923-02-20.
  • Forest L. SOUND REPRODUGING MECHANISM: US1554561[P]. 1925-09-22.

• 凯利推出“普利兹玛色彩2代”，布莱克顿执导的《光荣的冒险》（1922）是其首部电影。

1920年代，好莱坞成为了我们今天所熟知的电影之都，纽约成为当时美国动画的集中地，动画制作已经形成一个独立的行业，在美国，规模更大的动画工作室逐渐取代像麦凯这样的个人动画艺术家，而在其他刚启动电影动画事业的国家和地区，则以个人动画艺术家为主，他们也带来了早期的实验动画。

1920:

• 埃德温·卢茨（Lutz E）出版的《动画的卡通》介绍了术语“中间帧”，从人类对投影的探索开始梳理动画技术的发展，详细介绍了当时赛璐璐动画、剪切动画、纸偶动画等制作方式和工具，以及一些运动原理案例。
• 该书也介绍到梯形的、有玻璃板和电灯的动画透写台，未提及转盘结构。最早的转盘式动画透写台相传由布雷工作室的弗农·斯塔林斯在1920年代发明，但未能查到确凿时间和专利。可以确定的是，至1930年代，各大动画工作室都开发了各自的转盘动画桌，很大程度上方便了动画师的绘制工作。
  • Lutz E. 动画的卡通[M]. 纽约: C. 斯克里布纳儿子, 1920.

• 布雷工作室制作的《托马斯猫的首次亮相》通常被介绍为首部彩色动画片，尽管这并不准确，但它确实是首部使用“布鲁斯特色彩”动画片，由道格拉斯·布鲁斯特（Brewster D）开发并于1913年开始申请相关专利，基于双色减法。
  • Brewster D. COLOR PHOTOGRAPHY: US1191941[P]. 1916-07-25. 后续仍有多个相关专利。

• 梅兰芳主演的电影短片《天女散花》为表现“仙女腾云”场景，在胶片上叠印了云彩特效，可惜原片已毁于战火。

• 丹麦首部动画片《三个小人》（De tre små mænd）和罗马尼亚首部动画片《月球上的傻瓜》上映，都是黑白无声动画。

• 约1920年，厄本运动图像工业公司推出一款极端的费纳奇镜式动画投影机“螺旋作图”（Spirograph），每张图像盘可存放1200帧无声电影，但硬质圆盘作为电影动画的存储介质显然已不符合时代。有趣的是，再过几十年，影视动画又将迎来另一个圆盘式存储媒体时代。

1921：

• 德国的几位先驱开创了后来被称为“抽象动画”“运动图形动画”（MG）的风潮，在一定程度上刺激了实验性的、非主流的动画技术发展。
  • 沃尔特·鲁特曼的首部抽象动画短片《灯光游戏：作品1号》，它有时候被介绍为首部德国动画，但这显然忽视了此前德国的广告和教育动画。他使用了一种后来被称为“玻璃绘动画”的特殊技术，使用慢干的油性颜料直接在玻璃上绘画，通常是使用几块玻璃重复清洗绘画，或直接在上一帧画面中修改，玻璃的透光性和油性颜料的特殊质感让玻璃绘动画拥有独特的艺术风格。由于操作困难，这是一种很少人使用的动画技术。
  • 汉斯·里希特创作了一部黑白配乐抽象动画片《节奏21》（Rhythmus 21）。
  • 奥斯卡·费钦格发明了一种“蜡切片机”，使垂直切片机与电影摄影机的快门同步，高效地制作蜡和粘土横截面渐变的抽象动画。

• 弗莱舍兄弟离开布雷工作室，在纽约成立了自己的工作室，同年制作的《走出墨水池：模型》，把粘土动画和手绘动画结合在一起，其粘土角色在具象和抽象之间夸张变形，这类形式后来被称为“自由式粘土动画”，要求动画师有很好的塑形技术。

• 布雷工作室推出了戈德曼执导的一部医学教育动画《人的声音》，随后陆续制作和发行了多部类似主题的动画，它们多数使用真人实拍、手绘动画、剪切动画和定格动画等综合技术制作。事实上，自电影诞生之初，医学届便尝试将其用于教育目的，但早期的电影技术难以胜任相关拍摄，手绘、剪切、模型等动画技术反而可以提供更清晰的图像和说明。

• 麦凯的《飞屋》（The Flying House）和《半人马》（可能未完成）展示了领先同时代动画片的技术和质量，但在1920年代，个人动画师已经很难与新兴的，以工作室形式运营的对手竞争，黯然退场。

• 阿尔弗雷多·塞里和尼古拉斯·埃斯奎罗制作的智利首部动画短片《总统命令的传递》上映，是一部黑白无声传统手绘动画，仅4帧图像幸存。

1922：

• 弗兰克·威廉姆斯开发的抠像合成技术在卫斯理·拉格斯执导的电影长片《野蜜》中成功应用，利用胶片的特性，演员在黑色背景上被拍摄（后来也用了白色或蓝色背景），然后在高对比度胶片上多次复印，直到获得理想的拷贝，再翻转用作遮罩，通过胶片打印机把图像打印在一起。威廉姆斯在数年前便开始实验该技术，但由于早期摄影机、打印机和胶卷等一系列问题，一直拖延到1922年才实现。它后来被称为“威廉姆斯过程”，在接下来的十几年里被很多部电影使用，尽管可能伴随一些恼人的光晕效应。

• 纳特·德夫里奇和哈里·费尔罗尔执导的《爱的力量》是首部向公众发行的立体电影长片，使用浮雕立体技术，也是首部拥有双结局、可供观众即时自选观看的“交互电影”，两个结局使用二维拍摄，观众可通过选择遮盖立体眼镜的红色或绿色镜片观看不同结局。立体电影在1920-1930年代陆续有零碎探索，但由于技术并未成熟，只是短暂地引起观众的兴趣。

• 赫伯特·卡尔姆斯等推出了“特艺色彩2代”，投影胶片由两个颜色的胶片粘合在一起，解决了对齐问题，是第一种无需特殊电影投影机的色彩电影技术，但粘合的胶片会因为重复使用出现气泡问题，也容易出现刮痕。切斯特·富兰克林执导的《海逝》是首部使用该技术的电影长片。

• 有报道称，匈牙利动画先驱安多·魏宁格制作了现存最早的动画片故事板。
  • Márton O.(2011). 回归祖国！在动画电影的早期阶段，世界著名的或有待发掘的匈牙利艺术家[M]. 凯奇凯梅特: 弗朗西斯·尼古拉斯, 2011: 4.

• 华特·迪士尼创立了他的第一家电影公司“欢笑影片”，开始制作其首部混合动画短片《爱丽丝梦游仙境》（1923），通过白色背景拍摄真人角色，再和手绘动画序列合成在一起，但该公司次年就宣布破产。

• 上海成为中国电影动画的启航地，约1922-1927年间，我国动画先驱万氏兄弟、杨左匋、黄文农、秦立凡和梅雪俦等人制作了中国最早的几部动画短片。
  • 《舒振东华文打字机》（约1920年代初）：
    • 通常被介绍为首部广告动画片，由万氏兄弟受商务印书局委托制作，制作时间有说1920年、1922年和1925年，但各种资料都只来自回忆或转述，关于该动画的制作时间难以考证，仅可确认舒振东华文打字机于1922年申请专利。
  • 《暂停》（1923）、《大闹天宫》（1923）、《武松打虎》（1923）：
    • 上海英美烟公司聘请杨左匋制作。杨左匋在1923-24年间任职于上海英美烟公司的滑稽影片画部。该部门为制作烟草公司的广告动画而成立，直接引入西方现有技术和设备制作动画。他在1924年赴美学习，后来加入了迪士尼动画，在国内鲜为人知。
  • 《过年》（1924）：
    • 上海英美烟公司制作的动画。
      • 英美烟公司影片部之内容[N]. 申报, 1923, 7-3(5).
  • 《狗请客》（1924）：
    • 中华影片公司委托黄文农制作的，结合了真人实拍和手绘动画技术的“活动钢笔画影片”；
    • 黄文农随后与朋友成立了“中国画片公司”，并计划制作动画片《西游记》，但未见成片，1925年之后彻底离开了动画制作。
      • 佚名. 钢笔画影片将制成[N]. 申报(本埠增刊),  1924, 6-4．
  • 《球人》（1926）：
    • 大中华百合公司委托秦立凡制作，结合真人实拍和手绘动画的，该片留下了现存最早的中国电影动画图像。
      • 佚名.大中华百合电影滑稽画[N]. 申报(本埠增刊), 1927, 5-8.
  • 《纸人捣乱记》（1926-1930）、《大闹画室》（1927-1928）和《一封书信寄回来》（1928）：
    • 长城画片公司制作。
    • 《纸人捣乱记》和《大闹画室》有时候被认为是同一部动画短片，但也很可能是两部不同的动画。万籁鸣在回忆录中提及《纸人捣乱记》是他们万氏四兄弟的首部动画片，完全没有提及长城画片公司和梅雪俦。而1927年的申报关于《大闹画室》的报道介绍到该片的导演是旅美华侨梅雪俦，曾参与弗莱舍兄弟《走出墨水》系列的动画制作，回国后成为长城画片公司的创办人之一，他与万古蟾等人合作制作了《顽皮星君》和《大闹画室》。
      • 紫．长城画片公司[N]. 申报, 1927, 5-11(3)．
      • 佚名.长城公司《大闹画室》在美开映[N]. 申报(本埠增刊), 1927, 9-30.
    • 《大闹画室》通常被介绍为中国自制的第一部真人和动画片结合的动画片，制作时使用了一种自制的类似于转描镜的设备。
      • 孙立军. 中国动画史[M]. 北京: 商务印书馆, 2018: 20.

1923：

• 塞西尔·戴米尔执导的电影长片《十诫》带来了已知首个仿真的海水特效动画，使用切开的明胶（也有说是果冻），模拟红海分离的水墙效果，技术总监罗伊·波默罗伊设计了一个移动遮罩系统，从而允许真人镜头通过双重曝光与之结合。

• 移民至法国的弗拉季斯拉夫·斯塔列维奇发布了定格动画短片《夜莺之歌》（La voix du rossignol）。
  • 首次将多平面摄影与模型位移结合。例如夜莺飞行时，背景分层移动并配合模型翅膀的周期性摆动，形成流畅的运动模糊效果。
  • 使用百代模版着色技术。

• 弗莱舍兄弟制作了一部科学知识说明动画《爱因斯坦相对论》，以回应《美国科学人》发表的一篇文章，指无声电影向公众展示相对论这样的科学教育内容不会成功。

• 狄克·灰默加入了弗莱舍工作室，并进一步发展了他的“中间帧系统”，这逐渐成为一种培养新人的好方法，很多著名动画师都是从“中间人”（也称中割人、补帧人）成长出来的，但随着动画产业的继续发展，也有大量的“中间人”长期拿着最廉价的报酬密集劳动，直到无法坚持退出行业。

• 华特·迪士尼和他的兄弟罗伊·迪士尼在美国洛杉矶创立“迪士尼兄弟卡通工作室”，如今一般简称“迪士尼动画”，他们将在动画史上留下大量足迹，尽管荣誉与争议并存，但迪士尼动画在100年之后依然是美国动画的领军者之一。

1924：

• 弗莱舍工作室推出“唱歌的车”动画短片系列，其中的《噢，梅宝》成为首部有声动画片。弗莱舍引入了著名的弹跳球字幕动画，引导观众跟随音乐节奏唱出歌词，但该动画事实上是由工作人员挥动一根带有发光球的长棒，通过高反差胶片直接拍摄的。

• 维京·埃格林自1921年开始制作的，因艾格林的执着多次重拍，在使用技术和视觉风格上均具有开创性的运动图形动画短片《对角交响曲》终于完成，使用剪纸和锡箔图像逐帧拍摄，尽管在技术上依然属于剪切动画，但由于完全脱离自然主义风格，其所有运动实际上需要作者重新创造。
  • 该片1922年一个中期版本曾放映，最终版于1924年私下向一些人放映，1925年为公开首映时间。

• 伊旺·塞鲁里埃发明了电影胶卷编辑设备“莫维奥拉”（Moviola），允许剪辑师在剪辑电影胶卷时从一个更大的视窗观看电影。它最初是作为家用电影机开发的，但高昂的售价影响了其销售，后来改装成面向专业工作室的胶卷剪辑设备，迅速被多家公司采用，并陆续开发出更多版本。

• 威廉·凯利推出了“凯利色彩”，基于2色减法拍摄，然后分层转印到胶片。

1925：

• 威利斯·奥布莱恩在哈里·霍伊特执导的电影《失落世界》中开创了复杂的动物定格动画技术，使用特制的恐龙动画偶，拥有逼真外观和内骨骼，可执行较复杂的动作、表情和反映受伤表面。恐龙和真人实拍画面最初是通过分屏方式组合的，但随着拍摄的推进，奥布莱恩引入移动遮罩等技术，把两者直接合成在同一画面。

• 现存捷克斯洛伐克首部动画短片《两个人和一只狗》上映。

1926：

• 洛特·赖尼格（Reiniger L）的剪影动画《阿基米德王子历险记》成为现存世界上首部动画长片，也是德国首部动画长片。赖尼格在拍摄动画时使用了一套包括多层可平移玻璃架和顶挂相机的设备，是已知最早的“多平面相机”，不仅可让平面图像通过分层拍摄模拟视差滚动和深度效果，也有利于处理复杂场景，成为传统动画片拍摄环节中的重要技术，直到被数字动画合成软件取代。赖尼格在其专著《影子木偶、影子戏和影子电影》中分享了自己的技术，并介绍了一些传统皮影和机械皮影发展史。
  • Reiniger L. 影子木偶、影子戏和影子电影[M]. 波士顿: 戏剧公司, 1975.

• 大藤信郎执导的《马具田城的盗贼》和《切纸细工西游记孙悟空物语》是日本“千代纸动画”的最早案例。它从技术上也可归类为剪切动画，但千代纸的视觉效果使其具有明显的日本风格。千代纸动画在20世纪前期常被使用，后随赛璐璐动画的普及而逐渐消失，直到被后来的计算机动画技术重新引入。

• 弗莱舍工作室的动画短片《我肯塔基州的老家》可能是最早尝试“唇型同步”的动画。

• 拉乌尔·沃尔什执导的《光荣何价》是已知首部正式在字幕上使用术语“特效”（Special Effects）的电影长片，当时泛指电影拍摄时所有制作特殊效果的技术。

图4-18：《对角交响曲》（埃格林，1925）；
图4-20：赖尼格的多平面相机（1923-1926）

1927：

• 弗里兹·朗（Fritz Lang）执导的电影《大都会》（Metropolis）使用了德国摄影师尤金·舒夫坦开发的一种背投合成技术，后来被称为“舒夫坦过程”，使用一块特制的镜子来把真人演员“合成”到微缩布景中。该技术可被理解为此前佩珀幻象、微缩模型和接景画的混合升级版，后来被很多电影使用，直到21世纪被数字技术取代。

• 艾伦·克罗斯兰执导的《爵士歌手》是首部引入同步对白的电影，使用“维他风”（Vitaphone）声音系统，它成功引起观众的兴奋，并对促进有声电影的推广起到重要作用。

• 伊尔·赫德（Hurd E）获得了一种针对使用长卷背景画的赛璐璐动画拍摄台的专利，通过自动推进系统提供更流畅的背景平移运动。
  • Hurd E. APPARATUS POR PRODUCING ANIMATED DRAWINGS: US1633547[P]. 1927-06-21.

特艺色彩升级到3代“特艺色彩3代”（Technicolor No. III），该技术基于减色法双色，沿用第二代的相机系统，将红绿两路画幅分别记录在黑白底片的同一画框中，与二代不同的是，这两种画幅通过染料转印或浸染工艺被合并到正片的同一画面上。使用染料转印技术取代粘合胶片，这在商业上很受欢迎，但该公司的产量难以应对巨大需求。主要活跃年份为1927-1932年。

1928：

• 保罗·特里在其合作伙伴阿梅迪·伯伦的“敦促”下制作了世界上首部同声动画短片《晚餐时间》，但并没有引起广泛影响。范博伦意识到有声电影的潜力，但特里和当时不少业内人士一样，对有声电影不以为然。

• 迪士尼动画制作的米奇老鼠首部动画短片《疯狂飞机》试映，由迪士尼和乌布·伊沃克斯执导，但试映后未能找到发行商。首席动画师伊沃克斯为其绘制的原始故事草图，后逐步演变成迪士尼的故事板流程。
• 他们继续制作了同声动画片《汽船威利》，也是首部具有完全后期配乐的动画片，该片让米奇迅速成为美国最受欢迎的卡通明星之一。《汽船威利》采用的是美国商人帕特·鲍尔斯的声音系统“辛尼风”（Cinephone），是李·福里斯特“风诺电影”声音系统的克隆版。当迪士尼第一次尝试将录音与电影同步是，节奏完全对不上，后来他也使用了“弹跳球”引导演奏的节拍，让动画获得更好的声影同步效果。

• 随着有声动画的发展，尽管沙利文后来仓促地为菲力克斯猫加入声音，米老鼠很快便取代了它的地位。

• 万事兄弟参与了张石川执导的《火烧红莲寺》制作，以传统手绘动画技术制作了一些“施法”“气功”“飞剑”等各种被“白光”环绕的特效动画。随着该片的热播，类似的武侠神怪片在中国风行一时，以一种有趣的方式表现了中国人的奇幻武侠片。

• 迈克尔·柯蒂兹执导的电影《诺亚方舟》中一场洪水特效镜头造成了3名临时演员溺水身亡，另有十几人不同程度受伤，特技安全条例随即被编写并在美国实施。这促使了电影行业寻找更好的替代方案，这将是一个漫长的旅程，而动画技术在其中扮演了重要角色。

1929：

• 比尔·诺兰在沃尔特·兰茨执导的动画短片《稳定波》中展示了精彩的“橡胶软管动画”技术，他被认为是该技术的引入者。这是美式动画的第一个标准化风格，最开始是动画师为寻找一种在既能减少绘画难度和耗时，又能表现足够生动有趣的动作运动而摸索出来的一种方法。菲力克斯猫的动画是最早的例子之一，其他制片厂很快便开始模仿和改进这种技术，逐渐形成了独特的动画风格。但随着迪士尼现实主义动作表现风格的成功，好莱坞的发行商开始要求其他制片厂跟随，橡胶软管动画在 1940年代后退出主流舞台，偶尔作为一种复古或怀旧风格出现。

• 迪士尼开始了一个被称为“愚蠢交响曲”的动画短片计划，他执导的《骷髅舞》是该系列的第一个短片，他们在接下来的10年间一共制作75部短片，以试验不同的技术流程、工具、设备、技巧、角色和叙事等，并把这些经验用于其动画长片。

• 巴西现存最古老的动画短片《丑猴子漂亮猴子》上映，是一部赛璐璐黑白无声动画。

• 由美国电影艺术与科学学院开启了第一届奥斯卡奖（最初名为“美国电影艺术与科学学院奖”，1939年之后才开始正式使用“奥斯卡”一名），把“最佳工程效果奖”颁发给威廉·韦尔曼执导的电影长片《翼》（1927），以表彰特效技术对电影的贡献。但直到1938年，该奖项从未再次颁发。