20世纪70年代：
- 电影正式迈进彩色时代，大屏幕和宽屏幕越来越受欢迎，廉价电视动画成为主流，影院动画短片正走进历史。
- 传统手绘动画技术的边界和局限性越发明显，基础技术开发已经完成，动画好坏更多是艺术的问题。
- 定格动画虽仍有较多发展，但无非是尝试更多不同材料，引入更多传统艺术风格、开发更复杂的可动偶结构。
- 这个年代也见证了很多特效大片的诞生，但在技术上并没有太大的创新，反而是一些早期的计算机动画已经尝试走进电影特效领域。
1970年：
🎥🪄 电影长片《当恐龙统治地球》（When Dinosaurs Ruled the Earth，1970）
导演：瓦尔·杰斯特（Val Guest）；制作/发行：Hammer Films / Warner Bros.；上映日： 1971 年 3 月 17 日 (美国)
- 定格动画团队：
- 本片的史前生物由吉姆·丹福斯（Jim Danforth）主创，团队包括大卫·W·艾伦（David W. Allen）与罗杰·迪肯（Roger Dicken）等，是哈默（Hammer Films）在《百万年前》（1966）之后的又一次大规模模型动画实践。
- “凡士林涂抹”模拟运动模糊：
- 为减轻定格动画常见的“逐帧锐利”感，摄影时在镜头前加一块玻璃板并局部涂抹石油冻（Vaseline），形成围绕快速运动部位的选择性模糊；每拍完一帧需清洁/重涂，耗时但有效。
- 它一直被使用直到被1980年代发展出的Go-motion运动控制系统和数字运动模糊技术取代。
🎥 电影短片《虎之子》（Tiger Child，1970）
导演：唐纳德·布里泰因（Donald Brittain）；制片：罗曼·克罗伊特（Roman Kroitor）；首映：1970年（日本大阪）
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首部 IMAX 影片：
- 为大阪世博会（Expo ’70）富士馆定制，被公认为第一部面向公众放映的 IMAX 电影。
- 旋转观众平台 + 连续循环放映：
- 观众乘坐大型旋转移动平台缓慢穿行于放映空间，各自从不同起点进入“无缝循环”的影片，形成沉浸式观影路径。
- 展馆形态：
- 影片于富士馆内的充气/膜结构“气膜穹顶”空间放映，当时称“空气穹顶”（Air Dome ）。
- 延续与落地：
- 首座永久性 IMAX 影院次年在加拿大多伦多“安大略广场·球幕影城（Cinesphere）”建成并启用。
- 注：上世纪70年代早期的 IMAX 放映系统由加拿大团队自“多屏/多投影”实验发展而来，《虎之子》是该技术在公共场景中的首次完整呈现。
👐🪄 折纸+剪纸动画短片《家，我的家》（ホーム・マイホーム，1970）
导演：冈本忠成（Tadanari Okamoto）；制作：Echo Inc. 等；首映时间：1970年（日本）
- 使用纸制人偶与场景进行逐格拍摄，呈现介于剪纸与木偶之间的质感（国立电影资料馆展品记载为“人形〈半立体〉”）。
- 岡本式“材质实验”起点作之一：
- 他在20世纪后期制作了数十部风格各异，不断更换材料与技法（纸偶、布料、木偶等）的动画短片。
- 该片荣获当年🏆大藤信郎奖；此后冈本多次获得该奖，成为日本独立定格动画的重要旗手。
↑ ホーム・マイホーム 剧照（冈本忠成，1970）
1970年代初：
- 美国电影行业在经济上进入了一个衰退期，许多制片厂关闭了内部的特效、动画部门。
- 相关技术人员成为自由职业者，或者建立自己的制作公司，在一定程度上影响了此后的行业结构。
🎥🎨 真人实拍+传统动画电影长片
《幻象天堂》（The Phantom Tollbooth，1970）
动画导演：查克·琼斯（Chuck Jones）、亚伯·莱维托（Abe Levitow）；真人段落导演：戴夫·莫纳汉（Dave Monahan）；制作公司：MGM Animation/Visual Arts；发行：Metro-Goldwyn-Mayer；片长：约89分钟；首映时间：1970-10-24（洛杉矶）；全美上映：1970-11-07。
- 《幻象天堂》是典型的“真人开场—进入动画世界”的混合长片：现实中的男孩驶入“收费站”后，叙事与影像一并切换到高度风格化的2D动画空间，借由剪辑与画面语法完成媒介跨越。影片于1968年已完成，但因米高梅（MGM）内部原因被延后到1970年末才发行。
- 其产业史意义与技术语境紧密相连：该片常被视作MGM Animation/Visual Arts（琼斯在MGM时期的动画部门）最具野心的长片项目之一，而工作室也在影片发行后不久关闭（1970年12月）
，标志着MGM在相当长一段时间内暂别动画制作一线。 直到1993年MGM重新成立动画部门（Metro-Goldwyn-Mayer Animation），其后在2002年进入休眠 。 - 从动画技术史视角看，《幻象天堂》体现了传统大厂在“电视化时代”末期对长片动画的最后一轮整合尝试：以真人段落提供现实锚点，用动画段落承担抽象概念与语言游戏的可视化，并以工业化制作流程维持长片叙事的连续性——它更像一枚“传统好莱坞动画体系收束时刻”的压轴注脚。
↑ 《幻象天堂》动画截图
🪙🪄 日本动画“计件外包”与流水线化成型
- 主导公司：东映动画（Toei Animation）等
- 生产结构重组：
- 高附加值环节（剧本、分镜、原画、演出、检查、后期）留在日本本部；中割、描线、上色等劳动密集环节外包给外部工作室，按张数/尺数计酬。
- 成本—进度驱动：
- 周播电视档期+低预算倒逼流程“拆分化”“标准化”，形成样张/色指定/动作表等一整套可外包的作业规范。
- 业界工会提出反对与维权诉求：
- 但在档期与成本的强压下，外包与计件制仍快速扩张并固化为惯例。
- 区域扩散：
- 先由韩国、中国台湾承接，80年代后期因人力成本上升进一步外移至东南亚，由此形成跨国“卫星工厂”格局。
- 后续影响：
- 为保持统一，催生更严格的作画监督/总作监与版面检查制度；同时推动色指定手册、模型表、X纸/时间表等文档化标准。
- 人才生态代价：初级岗位被大量外包，内部“徒弟制”培养被挤压，资深原画断层与薪酬长期偏低的问题随之加剧。
- 为90年代前全球传统动画供应链奠基，也在数字时代加速转向数码上色与无纸化（tablet/扫描）流程。
1971年：
🎥🪄 电影长片《天外来菌》（The Andromeda Strain，1971）
导演：罗伯特·怀斯（Robert Wise）；制作/发行：Universal Pictures；首映时间：1971-03-12（美国）
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以传统光学与逐格动画模拟“电脑影像”：
- 片中显微观察与“计算机显示”段落常被误以为早期CG，但当时计算机图形尚不具备该复杂度；
- 道格拉斯·特鲁姆布（Douglas Trumbull）团队以绑定显微镜的35mm摄影机、机械模型、频闪照明、光学打印与逐格合成完成了这一挑战（含将微生物想象成发光几何体并拍摄后合成到显示器界面）。
- 制片方为这些“电脑化”镜头拨出约25万美元特效预算，由特鲁姆布与詹姆斯·肖特（James Short）等执行；
- ASC回顾明确将其归类为“特种摄影”而非计算机图形。
- 科技质感的界面设计：
- 将数据读数、示意图、扫描路径等以图形化叠印与屏幕再摄方式呈现。
- 确立了“冷硬理性”的科幻UI风格母本之一，对后续医学/实验室题材片的界面演绎产生影响。
- 它展示了当时人们对CG动画的期待，也预告着一个新时代的来临。
↑ 《天外来菌》模拟“计算机生成图像”片段剧照 © Universal Pictures，1971
🎨🪄 动画短片《我的妻子奇科坦》（チコタン ぼくのおよめさん/My Bride, Chikotan，1971）
导演：冈本忠成（Tadanari Okamoto）；首映时间：1971年（日本）
- 混合媒材手绘：
- 厚涂油彩（impasto）与蜡笔并用，逐帧直接绘制，形成颗粒与笔触清晰的“画布质感”影像。
- 多平面景深与移摄：
- 在多平面台上分层摆放绘制元素，配合台面/镜头的微移，制造层次纵深与“空气感”。
- 光学与图案实验：
- 运用高反差光效、叠印/遮罩等光学手段，辅以“万花筒式”背景图案的节奏化切换，增强情绪与音乐性的同步。
- 作者型风格延展：
- 继《家，我的家》（1970）之后，冈本继续以材料探索驱动影像语言更新，确立其“每片换一种工艺”的创作路径，对日本独立定格/手绘短片风格影响深远。
↑ 《我的妻子奇科坦》剧照（岡本忠成，1971）
1972年：
🪄🔚 美国著名传统动画工作室沃尔特·兰茨制作和特里卡通关闭
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沃尔特·兰茨制作（Walter Lantz Productions）
- 1972年3月10日，好莱坞“黄金时代”老牌传统动画工作室之一正式关停。
- 标志院线短片时代在电视竞争与成本压力下走向终章。
- 以往的赛璐璐流水线与角色片库（如伍迪啄木鸟）转向电视与二轮发行；技术人员转流到广告、电视动画与特效公司。
- 为70年代电视动画与外包体系腾挪出人力与管线资源，也加速了有限动画与低成本系列的常态化。
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特里卡通（Terrytoons）
- 1972年12月29日结业，
- 以“猫和老鼠尼布尔斯系外族谱”“Mighty Mouse”等闻名的院线短片—电视过渡型工作室终止运营。
- 片库授权与电视重播成为资产核心；小体量电视产线 + 外包逐步代替传统大厂“厂内全流程”。
- 进一步压缩美国本土中割/描线/上色岗位，推动向海外外包迁移的节奏，改变全球动画劳动分布。
📌🪄 加拿大国家电影局 NFB 购入“针幕”（Pinscreen）
- NFB 购置一块约24万针的专业针幕（Pinscreen），为灰度—体素式逐格成像提供公共实验平台。
- 邀请阿列克谢耶夫（Alexandre Alexeïeff）和克莱尔·帕克（Claire Parker）到场演示与授课，系统传授针幕布光、针阵塑形与逐格摄影方法，支持新生代作者探索（其后Jacques Drouin等人在 NFB 以针幕创作）。
- 针幕以光—针深—投影阴影生成连续灰度，被视为“光学层次素描”的立体替代工艺；虽制作门槛高、效率低，但在美学与工艺史上极具独创性。
- NFB 成为全球少数持续保存与开放针幕设施的公共机构之一；该技法此后偶有使用，更多承载“工艺保育—作者电影”的价值而非量产。
🎎🪄 木偶动画短片《鬼》（Oni / The Demon，1972）
导演：川本喜八郎（Kihachirō Kawamoto）；制作：川本喜八郎事務所；首映时间：1972年（日本）
- 木偶 × 平面背景的“舞台化”空间：
- 以平涂黑幕与极简平面布景承接立体木偶，借鉴文乐（Bunraku）与能乐（Noh）的舞台调度，形成强烈的图像节制与“舞台—银幕”混合质感。
- 叙事与声画设计：
- 无旁白对白，采用字幕牌推进剧情；配以三味线与尺八的传统乐曲实时感，强化民间怪谈的仪式性。
- 题材与造型：
- 改编自《今昔物语集》鬼食子传说，造型与调光强调木偶面具的表情可塑与阴影层次，突显“人—鬼”边界的心理暗示。
- 注：《鬼》常被称为川本“第一部重要木偶代表作”，但并非其首部木偶动画；更早的《折枝禁止》（The Breaking of Branches Is Forbidden，1968）已为木偶短片。
↑《鬼》剧照（川本喜八郎，1972）
🎎🪄 定格动画短片《魔奇魔奇树》（モチモチの木/Mochi-Mochi no Ki，1972）
导演：冈本忠成（Tadanari Okamoto）；制作：Echo Inc. 等；首映时间：1972年（日本）
- 和纸纸偶定格动画：
- 使用日本和纸制作的人偶与场景，通过逐格拍摄呈现纤维纹理与纸张厚薄的层次感。
- 透光与擦染质感：
- 背光与掠光（raking light）结合，利用和纸的半透明与渗色边缘，形成独特的“发光”轮廓与柔雾色块。
- 分层与景深：
- 在多平面台上分层摆放纸景，配合微移镜头获得温柔的纵深与季节氛围。
- 彩色摄影的加成：
- 较早期黑白与手工上色方案，彩色胶片与更细颗粒的印放流程更好地保留和纸肌理，使传统手工材质的审美得到充分展示。
↑ 《魔奇魔奇树》剧照（岡本忠成，1972）
1973年：
👾🪄 动画短片《月球之旅》（En rejse til månen / Journey to the Moon，1973）
作者：拉尔斯·哈辛（Lars C. Hassing）、亨里克·哈辛（Henrik Hassing）；首次放映：1973-05-16（丹麦，家庭私放）
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🥇全球最早的“砖块动画”（brickfilm）：
- 以乐高积木逐格拍摄，并穿插少量真人段落，被公认为已知最早的乐高定格短片。
- 民间起源的技术实验：
- 两位创作者在家中用 Super 8 机拍摄，低帧率、简易布景与分镜控制展现“微缩科幻”的可行路径，影响了此后大量民间砖块动画的叙事与摄影范式。
- 迟到的公开发布：
- 影片为家庭纪念而作，直到2013年才由作者上传网络，随即被砖块动画社群确认为早期里程碑。
🎎🪄 定格动画短片《南无一病息灾》（南無一病息災，1973）
导演：冈本忠成（Tadanari Okamoto）；制作：エコー社（Echo Inc.）；首映时间：1973年（日本）
- 多材质混合：
- 以和纸、木片、布料等混合材质逐格拍摄，画面呈现强烈的手工肌理与民俗色彩。
- 日本杉“苏吉（Sugi）”木纹造型：
- 选用常见于神社寺院建筑的日本杉木作角色与布景的底材或纹理来源，木纹直接参与造型与分层上色，形成独特的“木版画式”质感，并与宗教/民间祈愿主题建立文化上的内在连接。
- 光学与分层：
- 多平面台分层置景，配合掠光/背光强化木纹与纸纤维的阴影层次；局部使用遮罩叠印与细微移摄，营造静谧而有深度的宗教仪式感。
- 造型方法：
- 部分镜头采用替换式面部/肢体与局部关节活动的混合方法，在保持材质“原貌”的前提下实现角色表情与动作。
↑《南无一病息灾》剧照（岡本忠成，1973）
🎨🪄 动画长片《勇士约翰》（János Vitéz ，1973）
导演：马塞尔·扬科维奇斯（Marcell Jankovics）；制作公司：潘诺尼亚电影制片厂（Pannónia Filmstúdió）；片长：74分钟；首映时间：1973-05-01（匈牙利）
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匈牙利首部动画长片；
- 由政府为纪念诗人沙尓多·裴多菲（Sándor Petőfi）诞辰150周年而委托制作，制作期约22个月。
- 传统赛璐璐手绘为主，视觉风格融合匈牙利民间装饰艺术元素，
- 被多方评论指与《黄色潜水艇》（1968）的迷幻/流行艺术风格有相通之处。
↑《勇士约翰》剧照 © Pannonia Film Studio，1973
🎨🪄 彩色传统手绘动画长片《皮孔泽》（Piconzé，1973）
导演：伊佩·中岛（Ypê/Ype Nakashima）；制作公司：Telstar Filmes；发行：Distar Filmes；片长：80分钟；首映：1973-01-15（巴西·圣保罗首映）
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巴西首部彩色动画长片，
- 确立了本土长片动画由黑白迈向彩色的里程碑地位。
- 工艺与美术：
- 以传统赛璐璐手绘为主，片方资料与评论提到大量手绘分层与拼贴布景，追求立体感与民俗幻想风格。
↑ 《皮孔泽》剧照 © Telstar Filmes，Distar Filmes，1973
1974年：
📺 动画连续剧《阿尔卑斯山的少女》（アルプスの少女ハイジ，1974）
总导演：高畑勲；布局/场景设定：宫崎骏；制作公司：瑞鷹動画（Zuiyo Eizo，后改组为日本动画/Nippon Animation）；首播时间：1974-01-06（日本富士电视台）
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开创日本动画“布局”（Layout）系统运作先河：- 宫崎骏为全52话绘制完整Layout，位于分镜与原画之间，是动画制作的 “设计蓝图” 。
- 明确：空间关系与透视；镜头位置、角度和运动轨迹（推拉摇移等）；角色的位置、比例、动作与表情；背景的空间构成、层次与前后景分割。
- 流程影响：
- 1970年代Layout在日本业界尚非普遍工序，本作示范了其对镜头语言统一与中割指引的价值；
- 至1990年代后，Layout 全面成为日本电视 / 电影动画的标准流程，并影响全球动画制作
- 写实场景与动作设计：
- 日本动画史上首批进行海外实地考察的作品之一，通过实地考察与细致生活描写（牧场、家务、季节变化），把限定张数与丰富镜头调度结合，显著提升电视动画的叙事质感与性价比。
- 美学与历史意义：
- 重塑了日本电视动画的制作理念与工序，推动动画从“儿童娱乐”走向“叙事艺术”；
- 开创“日常生活描写路线”，深度影响后续如《龙猫》《我的邻居山田君》等作品。
↑《阿尔卑斯山的少女》的布局图（宮崎駿，1974）
🧸 定格动画短片《星期一闭馆》（Closed Mondays，1974）
导演：鲍勃·加德纳（Bob Gardiner）、威尔·文顿（Will Vinton）；制作公司：Will Vinton & Bob Gardiner；片长：8 分钟；首映时间：1974 年 10 月 31 日（芝加哥国际电影节）
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🥇 首部获得奥斯卡奖的定格动画短片
- 🏆第47届奥斯卡最佳动画短片（1975）。
- 现代黏土动画的里程碑
- 可塑粘土直塑角色与场景，强调“可见指痕”的材质生命力与即兴变形，镜头前完成表情/体态的连续替换。
- 精密骨架：在黏土角色内部构建金属 / 木质骨架，实现更精准的动作控制和复杂表情变化。
- 材质改良：开发特殊黏土配方，确保在反复拍摄和灯光照射下保持稳定性和质感。
- 摄影：通过定点布光与微移摄影，增强粘土表面的高光与体积感，营造“夜访美术馆”的荒诞气氛。
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💡 新术语&后续影响：
- 威尔·文顿此后提出“Claymation”作为其粘土定格作品的注册商标用语；
- 该词后来被大众泛化用于指代所有粘土动画技法。
- 文顿工作室因此成立，成为美国黏土动画的重要基地，带动了商业广告领域对黏土动画的广泛应用（如著名的加州葡萄干广告）；
- 工作室在资本更迭后于2005年更名为 Laika 工作室（《鬼妈妈》《通灵男孩诺曼》制作方）
↑《星期一闭馆》剧照（Bob Gardiner，Will Vinton，1974）
🎨🪄 动画短片《诗人的生涯》（詩人の生涯 / The Poet’s Life，1974）
导演：川本喜八郎（Kihachirō Kawamoto）；制作：川本喜八郎事務所；首映时间：1974年（日本）
- 铅笔画质感的剪切动画：
- 以手绘铅笔稿为素材制作剪切偶，保留纸张纤维与线条颗粒，呈现出赛璐璐流程难以复刻的细腻、朦胧质感。
- 叠化与“写意运动”：
- 大量使用叠化（dissolve）与软性转场来处理不适合剪切偶的动作（如翻身、转体），让动作在镜头中“化开”而非机械拼接，实现自然、抒情的过渡。
- 多平面与遮挡关系：
- 在多平面台上分层布置前后景，配合微移镜头与遮罩，营造空间深度与“舞台化”构图。
- 声画统一：节制的音响与简约配乐服务于诗性叙事，强化了影像的内心独白气质。
↑ 《诗人的生涯》剧照（川本喜八郎，1974）
针幕动画的延续：
- Jacques Drouin 结合针幕与木偶动画技术，制作《Alexeïeff 的三部针幕动画》，探索动画表现形式的多样性。
《宇宙战舰大和号》（1974）
导演：松本零士、舛田利雄（总监督参与）、音羽昭仁（制片）；制作：读卖电视台、太阳动画、Academy 制作；首播时间：1974年10月6日
东映动画的数字化转型（1974）
- 日本动画界最早的系统性数字化研究：
- 1974 年石油危机导致制作成本急剧上升，为应对经营压力，东映设立“研究开发部”，成为国内率先专门研究计算机辅助动画制作流程的企业。
- 计算机辅助流程的初期尝试：
- 团队探索赛璐珞上色自动化、动作分析辅助、数字摄影替代方案等方向，为后来的数字合成与无纸化制作铺路。
- 技术导向的体制化改革：研究开发部同时承担效率化方案评估，包括胶片节省、工序分离、外包与内部数字化协同模式等，使东映在产业层面率先构建“技术—制作”双轨结构。
- 东映的改革被视为日本动画数字化时代的前奏，开启了“计算机辅助动画制作”在日本的最早企业级实践。其研究成果虽多为内部技术，但对 1980 年代数码摄影、1990 年代数码合成、2000 年代无纸化制作的普及产生了结构性影响，奠定了日本动画工业数字化发展的开端。
机器人动画热潮：
- 《盖塔机器人》等作品引领 1974-1977 年机器人动画风潮，玩具厂商开始从企划阶段介入动画制作，形成 “动画 + 玩具” 的商业模式，为日本动漫产业发展开辟新路径。
